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极客时间专栏/摄影入门课/实战篇/11 | 光（上）：摄影的“影”长什么样？.md
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极客时间专栏/摄影入门课/实战篇/11 | 光（上）：摄影的“影”长什么样？.md
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<audio id="audio" title="11 | 光（上）：摄影的“影”长什么样？" controls="" preload="none"><source id="mp3" src="https://static001.geekbang.org/resource/audio/63/f6/63ed54c96780a44eda0a3163208626f6.mp3"></audio>
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你好，我是小麥。从这节课开始我们就要讲点实操的东西了。
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从这节课开始往下的三节课，我会掰开了揉碎了好好地跟你聊聊“光”这个东西：
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- 什么是“光”？
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- “光”打哪儿来？
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- 我们应该怎么观察并利用生活里的光线？
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- 没光线的时候又能怎么制造光线？
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说白了，**摄影就是“用光的艺术”**，没有光，也就没摄影什么事儿了。所以，这节课我想先来带你重新认识一下“光”这个东西。
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一提到光，我们能想到什么呢？好像也想不到什么，或者说想不到什么特别的，就觉得反正哪儿都有光，白天有太阳，晚上有灯。大多数人对光的观察基本就停留在“今天的夕阳真好看，真红”，要么就是“这店里的灯光真漂亮，真花哨”这种层面上。
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打个比方。前段时间我去了趟泸沽湖，泸沽湖边上有个达祖村，达祖村里有个“达祖小学”，我有个朋友在那儿支教，他教的是自然科学，他特别懂那些个花花草草。我跟他爬野山的时候会见到很多树，有一些树我比较认识，有一些树我自以为我认识但其实我不认识，还有一些树，我完全没概念。比如，有一种树在当地很常见，但在我的认知概念里它就是“树”，不过在当地人的认知里，他叫“青冈树”，可是，在我朋友眼里，它也不叫青冈树，它叫“不过是栎树的一种”。除此之外，对于我来说，达祖漫山遍野都是野草，我管他们都叫“小草”，但在我朋友那儿，他们叫龙胆，叫野草莓，叫委陵菜，叫鬼针草，叫鸟足兰，叫马先蒿，叫波斯菊……就连真正的小草都不叫小草，叫狗牙根。
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我看小草就跟大多数人看光的感觉差不多，反正都是光，能照亮儿，有颜色，挺亮挺花哨就得了。但如果我们想拍照片，我们就不能以这种方式和态度来看待“光”这个东西了。
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所以，我们需要重新认识一下“光”是什么。先看两张照片：
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/c0/86/c0a1c9522ea5d0da783fd95325d98f86.jpg" alt="" title="Gueorgui Pinkhassov（左）[br]上田义彦（右）">
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左边这张是俄罗斯摄影师 Gueorgui Pinkhassov 在印尼雅加达的一个鱼市里拍的，右边这张是上田义彦给三得利乌龙茶拍的广告，都是自然光，但观感完全不一样。
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再看两张照片：
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/42/b8/42f0122bc1c54d9cb56387109da4d0b8.jpg" alt="">
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这俩人基本上是我最喜欢的男演员和女演员，Tom Hanks 和 Meryl Streep，两张照片都是棚拍，靠人工打灯，但观感完全不同。造成不同的具体原因我们之后会讲到，如果你现在想知道，可以尝试观察他们俩眼睛里反光的不同。
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如果用语言来形容这两种观感的不同，我们可以说，左边的照片看起来都比较硬，光线明暗分明，或者说观感比较强烈，右边的照片看起来都比较软，光线更均匀，或者说观感比较柔和。这就是我们第一个要说的知识点：**光的质量 (Quality of Light)**。
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一提到质量，我们会想到“好坏”和“重量”，但在摄影里，光的质量指的是光的软硬程度，跟“好坏”、“重量”没有关系。而**决定光线质量的因素有两条：面积和距离。光源面积越大，光线越软，画面越柔和；光源面积越小，光线越硬，画面越强烈。而在光源面积保持一致的情况下，光源离被摄物体越远，光线越硬，明暗的分明越夸张；光源离被摄物体越近，光线越软，明暗的分明越不明显。**
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但如果把“面积”和“距离”这两条决定光线质量的因素放在一起考虑，我们就会发现，光源的大小变成了一个相对的概念。
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举个最简单的例子，你说太阳大不大，够大了是吧，但它实在是离咱们太远了，挂在天上就像个大灯泡，所以太阳作为光源，即便它本身的面积足够大，但因为它离我们实在是太远了，它就成了硬光源，这也就是为什么大晴天在户外拍照时，你会发现画面里所有东西的明暗都极其分明，光是光，影是影。而如果换到多云或阴天再跑去户外拍照，太阳在云层这个天然柔光罩的遮挡下，就变成了软光源，我们拍出来的画面就会变得非常柔和，没有了强烈的明暗对比度，物体都均匀受光。如果有朝一日，太阳在大晴天的时候也变成软光源了，那估计地球也就软了。
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除了太阳，我们平常还能见到什么硬光源呢？我们随手就能找到的硬光源有蜡烛、各种灯泡、闪光灯……它们的共同点总结起来就是，它们都可以被看作是**点光源**，就是说，光都是从一个点射出来的，发光面积非常小。
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所以，点光源往往都是硬光源。但光源的软硬并不是一个绝对概念，它们之间也可互相转换。如果在日常生活里，我们想把硬光源变成软光源，让画面看起来更柔和些，我们应该怎么做？很简单，对于太阳，多来点云彩；对于灯泡，给它罩上个灯罩；对于闪光灯，我们给它套上一个柔光箱。因为云彩、灯罩、柔光箱这些东西的加入，使得从小点里发出来的光，变成了一片均匀光线。这些操作的原理就是靠**改变光源面积，让点光源变成面光源，让硬光变成软光**，从而达到让画面看起来柔和的目的。
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我们再看回第一组图，为什么 Gueorgui 的那张照片看上去明暗对比那么强烈，光线那么硬？因为光源是太阳从屋顶射入的直射光。为什么上田义彦的那张照片那么柔？因为对于室内来说，光源是那一整面窗户，虽然室外阳光灿烂，但阳光并没有直射进室内，而是透过整扇窗户，均匀地分散到室内。
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除了靠感觉和经验判断光线的软硬之外，还有没有什么别的方法可以让我们特别确定地知道一种光源是硬光源还是软光源呢？
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/10/70/101b236e326e2019f0c2666342cdbc70.jpg" alt="" title="Harry Gruyaert">
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上面这两张照片都是 Harry Gruyaert 拍的，色调都差不多，但光线环境完全不同，特别适合做对比图。我们要怎么判断这两张照片的光线软硬呢？**很简单，看影子。**第一张照片里的影子非常清晰，影子边缘非常锋利，跟刀刃儿似的，一根是一根，明暗界限极其分明。但第二张就不是这样了，我们可以看穿灰西装红毛衣的那个人，他背后的影子不是很清晰，模模糊糊一片，影子的边缘也很虚，而人脸上甚至都没有影子。所以通过观察影子，我们就可以大体确定，第一张照片里的光源是硬光源，第二张照片里的光源是软光源。
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不知道你还记不记得在第七课讲测光的时候，我提到过滨田英明，放了几张他拍的照片。我当时说“看照片的话，基本可以确定这是在阴天的光照情况下拍摄的”，说这话不是靠蒙的，而是通过观察画面里的阴影给出的判断。那几张照片，人物受光非常均匀，画面里基本就没有影子，即便有一点儿，影子的边缘也很虚，几乎不可见，再加上又是室外拍摄，所以只可能是阴天。
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知道了什么是硬光，什么是软光，你就应该能明白：
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- 为什么用手机拍照片的时候开闪光灯会把人闪得特别丑，油光满面？因为点光源会把人拍得特别生硬，棱角分明；
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- 为什么很多女生都喜欢在室内的窗边拍照片？因为面光源会让人的皮肤和人脸上的阴影过渡显得特别柔和；
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- 为什么我们总说“中午十二点不适合拍照片”？因为太阳高度角大，需要穿过的大气层非常薄，光线自然就特别硬；
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- 为什么我们总说“**日出后跟日落前的那俩半个小时叫黄金半小时**”？因为太阳高度角小，需要穿过的大气层非常厚，大气层中的水分让阳光从直射变成了散射，从点光源变成了没那么点的光源，再加上大气层的厚度也客观上削弱了阳光的光线强度，所以**黄金半小时的阳光看起来特别完美**，咋拍咋有。所以下次如果你想把人拍得特别好看，可以尝试一下在日出后的半小时或日落前的半小时进行拍摄，大概率能拍出好看的照片。
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我举出的这些例子只是日常生活中最常见的情况，具体还有哪些其他情况，得靠你自己去发现。
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举个跑题的例子，锤子的 Smartisan OS 7.0 升级了“一步”这个操作，从“一步 2.0” 升级到了 “一步 3.0”，增加了“分屏”这个功能。官方在发布会上给出了将近十种应用场景，但用户拿到手机以后，又想出了很多应用场景，比如“双11”的时候可以同时打开四个电商平台一起抢下单，比如可以一边打游戏一边看家里的三个监控，大门、孩子和狗。
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所以实例是无穷无尽的，一切也都不是固定的。说回“光”，比如，硬光源就不能拍人么？当然可以拍啊，关键还是看你想怎么用，看你想搞出来什么观感的照片，看你的创意是什么，比如下面这张：
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/2c/af/2c3660ff82b33fceea78427296886aaf.jpg" alt="" title="Frank W. Ockenfels Ⅲ">
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这张 Matt Damon 就是摄影师 Frank Ockenfels 用非常典型的硬光源拍摄得到的结果，棱角分明，明暗对比强烈，光线硬得简直不能再硬了，但非常有视觉冲击力。Frank Ockenfels 是好莱坞的海报专业户，拍了很多很多有名的片子的海报，我很喜欢他，有兴趣你可以去搜搜看。
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再比如这张照片：
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/26/40/26479618d59638372eb6bdd5ccfe7740.jpg" alt="" title="Bruce Gilden">
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这是玛格南摄影师 Bruce Gilden 拍摄的日本黑帮，他手持闪灯近摄，用闪灯的光线直接闪在人脸上，右边是老大，左边是小弟，视觉冲击力很强，情绪表达很到位，是非常典型的利用硬光源来突出表现人物状态的例子。实际上，他基本就没用过软光源，几乎所有照片都是用闪灯，在距离被摄人物非常近的情况下，近闪直射。老头儿今年 73 岁了，可以说是用闪灯抵近快拍流派的鼻祖，画面言之有物，内容丰富，好看得很。
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最后，我想再说几句关于光源距离的问题。
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**光源距离影响光线软硬是一个相对的概念**。比如说，现在有一盏套着大灯罩的台灯，就在你面前，它是个软光源，光线因为灯罩的存在，均匀地散在你脸上。但是，你把它拿远一点，它就从一个面光源变成了点光源，光线就硬了。可如果你再把它拿远一点，因为它的光完全散开了，没有直射形态了，而且光照强度也不够了，所以对于你的脸来说，它可能就又变成了软光源。在这种定义飘忽不定的情况下，我们唯一能傍住的标准，就是看影子，看影子的边缘是锋利还是模糊，以此判定光线的软硬。
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说回到上面汤叔和梅姨的那两张棚拍肖像，从他们俩眼睛的反光里，我们能看到，给汤叔打光的闪光灯上套了一个叫“美容碟 (Beauty Dish)”的东西，也叫雷达罩，而且这个美容碟上还没包柔光布，所以照出来的效果才显得比较硬。而给梅姨打光的闪光灯上套了一个长方形的柔光灯箱 (Soft Box)，这种灯箱一般体积都很大，套上之后就能让闪光灯这种点光源变成一个面积巨大无比的面光源，从而实现软化光线、让照片变柔和的视觉效果。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/16/73/169948866d13fdcf5f01d2403c617073.jpg" alt="" title="左：美容碟[br]右：柔光箱">
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在学过这节课之后，你已经可以自己说明为什么这俩东西能把汤叔和梅姨拍出不同的视觉效果了。但有关闪灯、棚拍和人造光源的话题，我们还有很多可以聊的，都在“光”的第三课，我们到时候再说。
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** **
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## <center>总结<center></center></center>
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这节课我们讲了**光的质量**。光是**分软硬**的，它的软硬程度跟**光源面积**和**光源距离**有关。在光照强度不变、距离一定时，光源面积越大，光线越软，画面越柔；在光照强度不变、面积一定时，光源距离越远，光线越硬，画面明暗越分明（但远到一定程度时它又可能变成软光源）。光的软硬是个相对的概念，并不绝对，我们说一个光线软，一个光线硬，是跟其他光线环境对比之后得出的结论。我们唯一确定的、可以拿来**判断光线软硬的标准就是看影子，影子的边缘是锋利还是模糊，边缘更锋利的，就是更硬的光线，边缘更模糊的，就是更软的光线**。
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知道光有软硬之后，我们可以充分利用他们各自的优势。比如说，硬光更容易塑造脸型的轮廓感，更容易突出被摄物体的纹理和质感；而软光可以让画面柔和，可以平复皮肤上的瑕疵，拍孩子拍老婆拍那些唯美的东西都可以尽量去寻找软光源。当然，还是那句话，这些应用场景并不绝对，还是看你想要的是什么视觉效果。
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比如拍姑娘也可以顶着大太阳拍，拍老头儿也可以温柔一点，即便老头儿本身不温柔。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/a1/b4/a1eb648d2dec66d54af1a36bf359bfb4.jpg" alt="" title="筱山纪信 “宝生舞”（左）[br]Yousuf Karsh “Sir Winston Leonard Spencer-Churchill”（右）">
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这节课我们聊了“什么是光”，下节课我会聊一聊“光都在哪儿呢”，也就是“光的方向”，这是“光”这个东西最好玩的一点，也是他最容易被我们掌控的特性……等了解完这个特性以后，我会简单说一说由这个特性衍生出来的实际运用。
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## <center>课后小练习<center></center></center>
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灯泡按理说是一个点光源，它的光线应该属于硬光的一种，但如果我们不借助任何辅助修饰光线的手段（比如套灯罩），我们拍什么东西，能让灯泡直接就变成软光源？想好以后拍一张，点击文末的图片，去部落发照片，然后可以说说为什么是这样。
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我们下节课见。
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极客时间专栏/摄影入门课/实战篇/12 | 光（中）：你真的会在阳光下拍照片么？.md
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极客时间专栏/摄影入门课/实战篇/12 | 光（中）：你真的会在阳光下拍照片么？.md
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<audio id="audio" title="12 | 光（中）：你真的会在阳光下拍照片么？" controls="" preload="none"><source id="mp3" src="https://static001.geekbang.org/resource/audio/28/08/28f0a46055c9cf95706f0f671d518c08.mp3"></audio>
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你好，我是小麥。
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上节课我们讲了如何通过影子判断光的质量，也就是光的软硬，这节课我们来接着说一说光的方向和环境光的实际运用。
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虽然在现实生活里，我们可能没有从软硬的角度观察过光线，但我相信你在拍照片的时候一定听过或说过这么一句话，叫“转过来点儿，那样儿逆光，没法儿拍”。
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为什么没法儿拍？因为光是从人背后直直地射进镜头里的，人物在逆光环境下会变成漆黑一片。所以，即便我们不是专业摄影师，我们也多多少少清楚光线是有方向的，而光线的不同方向，就会造成不同的明暗效果。
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我们看太阳。清晨的时候，它先从地平线上蹦出来，到九十点钟的时候，它半挂在天上；中午，它会到头顶；下午和傍晚，它会慢慢西沉，最后落下地平线，在地底下转一圈儿，第二天它就又回来了。如果我们把地平线看作 X 轴，那太阳一天的运动就相当于在 X 轴上横跨了 180°。太阳与地平线的夹角随着时间不断变化，这就给我们提供了无数种光线角度的选择。
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上节课我们说过，我们管日出之后的半个小时和日落之前的半个小时叫“黄金半小时”，一方面是因为光线由于云层散射变得比较柔和，光线的颜色也会变成金黄，另一方面就是因为太阳在天空的位置比较低，与地平线的夹角比较小，光的方向非常斜，这就给我们提供了均匀的光照环境。
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有一点需要补充的是，这个“黄金半小时”不是严格意义上日出后或日落前可丁可卯的半小时，而是摄影师根据长年的拍摄经验，统称日出后和日落前的一段时间为“黄金半小时”。这段时间长则可达四五十分钟，短就不过十几二十分钟，取决于纬度、季节、天气等多种要素。
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至于这个“黄金半小时”对成像到底会有什么决定性的影响，不妨先来看两张照片：
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/e9/f7/e97531e01c123d40a63edb1487dc1bf7.jpg" alt="">
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左边这张照片拍摄于正午，完美地示范了为什么我们总会说别大中午的出去拍照片，因为大概率会拍得很惊悚。光线从几乎正头顶的角度上打下来，非常硬，人脸上的影子异常分明，脸部纹路极其明显，鼻子底下的那一大片阴影也非常吓人。
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再看右边这张，拍摄于太阳落山前的“黄金半小时”。观察影子我们可以发现，虽然夕阳的光线也没有我们想象中的那么软，影子的边缘依然很明显，但由于光的方向不同，角度低了很多，这就使得光线能更均匀、更完整地覆盖在这姑娘的脸上，脸上不会出现莫名其妙多余的阴影。再观察她脖子上的那一小道儿亮光，我们能知道光线是从她斜上方大概 30° 的方向斜射过来的，光在她脸上制造出来的阴影也很好地掩盖了她的部分面部轮廓，显瘦。
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虽然同属于硬光，但光的方向一变，观感就完全不一样了。所以，**我们甚至可以说，光的方向要比光的软硬更能决定一张照片的观感**。为了印证这个说法，我们不妨拿右边的这张照片，去跟另一张照片做一下对比：
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/40/03/40dc1647247d5402cd4df4871c864f03.jpg" alt="">
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刚才右边的那张照片现在还在右边，我们先来看左边这张。左边这张照片，拍摄的时候是多云天气，光的质量非常非常软，并不是在夕阳的硬光下进行拍摄的（左上角的橘黄是 P 上去的）。光从女生左侧偏上一点点的位置打过来，同时，右侧用一块反光板进行补光，好让阴影显得不那么明显。而右边这张照片，虽然没有反光板补光，虽然拍摄用的是“夕阳光”这个本身相比多云的时候更硬的光线，但忽略掉画面本身的色调因素的话，左右两张照片的观感其实差不太多，你可以拿这组例图跟上一组例图做一下对比。因为光的方向一致，所以即便一张照片用了软光源，一张用了硬光源，最终呈现的视觉效果也可以基本保持一致。
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所以，我才会说“光的方向比光的软硬更能决定一张照片的观感”。
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既然是这样，那我们就要看看不同光线方向能怎么影响照片，先拿人像举例：
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/ac/18/ac5240b3e7a4e56c64ef21a47b0f8918.png" alt="" title="第一行，光源在斜上方 45°[br]向下照射，从正面开始，逆时针绕着人脑袋转一圈[br]第二行，光源跟人脑袋平行[br]向前照射，从正面开始，逆时针绕着人脑袋转一圈[br]第三行，光源在斜下方 45°[br]向上照射，从正面开始，逆时针绕着人脑袋转一圈">
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这是不同的光线方向会在人脸上留下不同的阴影，而不同的阴影就会制造不同的观感，所以，我们才说，摄影就是光和影的艺术。这组例图非常直观清晰，人脸由于不同的光照角度而形成了不同的视觉效果，即便保持同一个表情，画面情绪也可以不一样。所以，巧妙地利用光线方向，观察光线从不同方向打过来的时候对画面的具体影响，有创意地利用阴影，就会拍出区别于他人的照片，我就不再多解释了。除此之外，我想说说另一件事。
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开课以来，我们一直频繁重复一句话，就是摄影的核心是“你得知道你自己到底想干嘛”。拿人像这组图举例，我们看图里的影子，可以知道这是用闪光灯打出来的硬光。而这束光的覆盖面积、均匀程度和它的强指向性都告诉我们，这个闪光灯大概率套了一个标准灯罩，套完标准灯罩以后可能还挡了一层蜂窝网。灯罩和蜂窝网是干嘛的我们下节课会讲到，现在不多说。我之所以经常会提一下拍摄设备，就是因为我想让你知道看到一张照片后，应该怎么来分析，而会分析了，才能模仿。
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所以，我们看这组图，先确定了这是闪光灯的硬光，接着我们就要分析一下他为什么用硬光。很简单，因为这是布光示意图，摄影师想让我们非常清楚地看懂不同的光线方向作用于人脸上所能产生的不同视觉效果。如果是软光，例图的效果就会大打折扣，所以，这就是摄影师在拍摄这组例图的时候的背后逻辑。**首先，他很清楚自己的拍摄目的（为了拍摄打光示意图），然后再根据这些拍摄目的选择合适的器材和拍摄方式（用闪光灯的强指向性硬光，拍摄正面标准照）。“知道自己想要什么”是摄影的一个核心。**
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说回到光线，在实际应用中，我们又该如何观察光线，利用光线制造出我们想要的视觉效果呢？
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传统上，我们会把日常能见到的光源分成自然光和人造光两大类，也就是除了太阳和火之外，其他的都叫人造光。但我们的课程不太想这么分，**我想把光分成环境光和人为光两种，具体来说就是除了人为打灯之外的所有光都可以叫环境光**。换句话说，环境光不受你控制，你只能合理地加以利用；而人为光，指的是能被你控制照度、方向、软硬的光。
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我们先来看环境光。
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环境光相对固定，你进入到一个环境中，你基本不能改变这个环境里的光线，那这时候，你就要学着怎么观察光线了。我下面要讲一个日常环境：超市。用超市这个环境当例子，看看你能不能举一反三，融会贯通。
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不知道你有没有发现，有些超市看起来特舒服特高级，有些超市看起来特委屈特土鳖。造成这一观感的原因其实不在于它卖什么，货品都大同小异，最主要的原因就在于灯光。
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比如，一般来说，熟食区和瓜果蔬菜区的**光照强度** (1000 lux) 要高于百货区的光照强度 (800 lux)，尤其是瓜果蔬菜区。同时，这两个区域灯光的**色温** (2500-4500) 要比百货区灯光的色温 (4000-6000) 低，也就是说更暖一点（色温这个概念我们第六课的时候有提及）。下次去超市，你可以观察一下是不是这样，如果不是这样，那就是这个超市不太会布灯，如果一个超市布灯不讲究，那其他方面估计也悬，这样的超市大概率看起来会让人觉得有一点委屈。所以我们如果拍人，可以选择在这两个区域拍，一是因为它亮，二是因为它暖。
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与此同时，生鲜区，就是卖鱼卖虾那块，光照强度也很大，但它色温偏高，光线偏冷。所以，如果你想拍出一团温馨，画面偏暖偏黄，就可以选择在熟食区和瓜果蔬菜区拍；而如果你想拍出干净凌厉、偏冷偏白的画面，就可以去买鱼鳖虾蟹。
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除了**光照强度**和**色温**，**光线本身的质量**也是我们进入到一个环境中该观察的要素。比如，超市里一般有两种灯光，一种是灯管，可能会跟货架方向平行，也可能会跟货架方向垂直，然后成片成片地排列下去。但无论超市怎么布置灯管，这些大片大片的灯管制造出来的光场都会是软光。如果再较真一点，跟货架方向垂直排布的灯管组会比跟货架方向平行排布的灯管组的光照范围更均匀，也就是说更软。除了灯管组之外，超市里的另外一种灯是射灯，光线聚集，照度高，但非常硬。按常理，我应该告诉你尽量在软光下拍人，但你已经学了这么多了，也许你会有自己的想法。
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虽然这些名词听起来贼专业，照度、色温，就差没提显色指数了，但其实你完全不需要背它们的定义，你只需要**观察光线，看哪儿比哪儿亮，哪儿比哪儿软，哪儿的颜色是你需要的，光是均匀散开的还是指向性非常明确的**，然后你就可以决定要在哪儿拍，该怎么拍，是顺着光、逆着光、斜着光、还是组合光线……这一切，都在于你的观察和决策。
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最后多一嘴，有些超市有大落地窗，我们能利用室内光线和室外光线的光比做些什么呢？或者，如果室外阳光和煦，我们能利用室内高色温和室外低色温的冷暖对比做些什么呢？谁知道呢，要看你自己了。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/c8/41/c8e76d60821661be615781cc94444341.jpg" alt="">
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讲到这儿，我相信拍摄一张类似这样的照片，对你来说应该已经没什么难度了。下次带娃或者带个谁去超市，记得也带上相机，试着仿拍几张。
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想完整认识光线，培养自己对光线的敏感度，不是一天两天的事情，需要你不停地去拍，不停地去看。“光”这个东西其实不太好讲，因为很多人都会觉得自己已经特别懂了，但我相信其实应该没什么人认真观察过超市里的光线。我相信在我说完以后，很多人会在脑子里回想自己逛超市的经历，然后恍然大明白：“哦？好像确实是那样。”所以从今天起，我希望你能**养成观察光线的习惯**，跟别人说话的时候，去看看当时的环境光怎么在人脸上流动；逛街的时候，看看行人怎么在环境光里游走，哪怕你当时并没有打算拍照片。
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这两节课过后，你应该掌握了观察光线的基本方法：**进入到一个环境中，先观察光照强度，再观察色温，最后观察光线质量（软硬），通过改变光线方向，寻找不同的光照角度，来改变视觉效果，满足自己的需求。**
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最后说一个本来打算在前面讲的小知识，但考虑到我们要专门讲“光”，所以就把这个小知识点留到这节课了：**阳光十六法则 (The Sunny 16 Rules)**。
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我们讲了太阳的方位，已经知道怎么利用太阳的位置拍照片了，但还需要配合恰当的光圈快门参数才能拍。我们除了靠相机里的测光表给出曝光值，慢悠悠地调整参数以外，其实还有一种更简便的方法，就是这个“阳光十六法”。它的用处是在不借助测光表的情况下，仅靠肉眼，根据当时的天气状况与光照条件，迅速判断曝光值。
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它有这么一首诗：**阳光十六阴天八，多云十一日暮四，乌云压顶五点六，雪天落雨同日暮。**
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我来说一下这都是什么意思：**在大晴天的光照环境下，如果你把光圈设为 F16，想得到标准曝光值，只需把快门速度设置为 ISO 的倒数就可以了**。比方说，现在阳光灿烂，我在户外拍摄，光圈开在 F16，ISO 125，那么我的标准曝光快门值就是 1/125s，想都不用想就可以直接设置好进行拍摄。如果我突然觉得快门速度不够快，需要提高到 1/500s，那么我直接把 ISO 调到 500 就好。这就是诗里面的“阳光十六”。
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“多云十一”、“阴天八”、“乌云压顶五点六”和“日暮四”我就不多讲了，这指的都是光圈值 (F11、F8、F5.6、F4)。在相应的光照环境下，同样把快门速度设置成 ISO 的倒数就可以了。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/5a/28/5a5ac0b6315e1967c02dcbc9d0524728.jpeg" alt="" title="阳光十六法（Sunny 16）来自于胶片时代[br]老相机的机身内通常都没有测光表[br]这就需要摄影师根据经验来判断参数[br]上图为一台生产于 1960 年代的 Tessina 老相机[br]机身上粘贴着阳光十六法则的图表">
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但是，如果我在阳光灿烂的光照环境里想用 F11 的光圈怎么办？很简单，因为光圈从 F16 变成了 F11，增大了一档，所以曝光也就增大了一档，如果想把这一档曝光拉回来，那么快门速度和 ISO 在互为倒数的基础上，要么快门速度增快一档，要么 ISO 减小一档。
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比如，现在阳光灿烂，我本来应该用“F16，1/500s，500”，但现在我的光圈变成了 F11 了，所以要么我的快门速度变成 1/1000s ，要么我的 ISO 变成 250。这全是我们前面讲过的基础知识，为什么说要多加练习，因为等你足够熟悉这些东西以后，根本就不用掰着手指头算这些参数了，看到一个场景你马上就能直觉性地调整参数。
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明明都是参数的事儿，为什么我们要把“阳光十六法”放在这儿讲，而不是放在“光圈快门ISO”那部分讲，因为我们需要知道什么叫阳光灿烂，什么叫多云，什么叫阴天，什么叫日暮……你可能以为你知道，但其实你并不知道。
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在“光”的第一课我就有说，我们不能按照日常经验来界定光线，比如什么叫阳光灿烂？你能想到很多形容词，但这些形容词不能用来界定一个东西。**所以，我们又回到了“看影子”。**
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**阳光灿烂 (F16) = 影子黑，影子清晰可见，影子边缘锋利；多云 (F11) = 影子发灰，影子边缘柔和；阴天 (F8) = 影子隐约可见，或者说几乎不可见；雨雪前 (F5.6) = 没有影子；日暮 (F4) = 没有影子，日暮指的是太阳已经落山但天还没黑的时候，不是夕阳。**
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现在你知道了如何观察光线，知道了如何利用太阳的时间、太阳的方向来拍摄照片，还知道了在室外的不同光照条件下如何快速调节参数。你可以拿着相机出门试一试我们讲的这个“阳光十六法”，跟“景深陷阱”一样，好用得不行不行的。
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** **
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## <center>总结<center></center></center>
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这节课我们主要讲了光线的方向，带你初步了解了不同光线方向是如何影响画面效果的。我也说了观察光线的方法，**强度、色温、质量（软硬）、方向**，光线的四大基本要素。想拍出好看有创意的照片，除了构图外，就是要学会合理地利用这四大要素，把“观察光线”变成你日常的一部分。有效利用光线所制造出的不同明暗效果，才能拍出不同于其他人的照片。
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除此之外，我还说了一下**阳光十六法则**，如何在不借助测光表的情况下，快速判断曝光参数。还是那句话，在实际拍摄时，你根本不会有慢慢调整曝光值的时间。学会阳光十六法则，结合之前的景深陷阱，你就能手起刀落，无往不利。
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说完了环境光，你可能还是会对光线有许多疑问，比如，在自然环境照明不充足的时候，我该怎么人为地添加光线？比如，那些在影棚里拍摄，每次都用好几盏灯的摄影师，他们的每盏灯都是在干嘛？当然，最重要的还是我怎么才能把身边人给拍好看？我能不能就用手边的一盏灯，环境里的一束光，把人物拍得传神深邃？
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当然可以，这些就是我下节课要讲的内容。
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## <center>课后小练习<center></center></center>
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使用“阳光十六法”，在一天里的不同时间点和不同天气的不同天，外出进行拍摄。
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在黄金半小时的时候，拍摄一组肖像。要求：让光线从不同角度照射在人脸上，太阳不能动，所以你要主动调整人在光线中的位置和朝向（比如背对光线、完全面向光线、光线从侧面打过来等等），观察不同的光线位置对人脸的影响。
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</li>
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我们下节课见。
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极客时间专栏/摄影入门课/实战篇/13 | 光（下）：闪光灯是因为环境太暗所以照亮儿用的么？.md
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极客时间专栏/摄影入门课/实战篇/13 | 光（下）：闪光灯是因为环境太暗所以照亮儿用的么？.md
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<audio id="audio" title="13 | 光（下）：闪光灯是因为环境太暗所以照亮儿用的么？" controls="" preload="none"><source id="mp3" src="https://static001.geekbang.org/resource/audio/aa/3c/aa09a985ebbe93cd3da5b065def6593c.mp3"></audio>
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你好，我是小麥。
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前两节课我们讲了怎么重新认识光线，怎么时刻观察光线，我们也提到了光线的四大要素：**质量（软硬）、强度、方向和颜色**。我一直在强调一个概念：所谓“摄影”，其实就是拍摄光与影的技术。想要拍到好照片，就得能自由驾驭这四样东西。
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但很多时候，在自然光线环境里，这四样东西并不“听话”，很难让人称心如意，好比黑夜里照度不够，日光下光线太硬……既然自然光这么难驾驭，那为什么我们不按照自己的想法直接布光呢？
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所以这节课，我会讲一讲人为布光的方法。在学习完布光原理和我给出的例子后，希望你能举一反三，即使没有专业的照明设备，也一样能把光线死死地攥在自己手里，真正做到让光线为自己所用。
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让我们先来了解一下人为光的分类。
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人为光有两种，一种叫**闪光灯（strobe light，strobes，或者叫 flash）**，一种叫**常亮灯（continuous light，直译为持续照明）**。我们先来说说闪光灯。
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我们都见过闪光灯，它们有可能是相机自带的，有可能是作为配件插在相机脑瓜顶上的热靴里的，或者是在拍证件照的时候，它们会被套上柔光箱，看上去非常大的那种。当然，还有手机，手机背部摄像头旁边的那个白点或白条。
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刚开始接触摄影的人一般都会觉得闪光灯只是用来照亮儿的，在乌漆嘛黑的时候，闪光灯一闪，就什么都能拍得到了，所以觉得光线充足的时候就用不上闪光灯。
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但我不知道你见过没见过大白天开闪光灯拍照片的人，比如下面这张照片：
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/24/0a/240e29c55e49b541cba36b21a7295d0a.jpg" alt="" title="Martin Parr">
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你有可能看不太出来这张照片用了闪光灯，没关系，咱们再看下面这张：
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/44/21/44c1bcfa98006d086dd3300025237021.jpg" alt="" title="Bruce Gilden">
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这是典型的闪光灯“特效”，画面既清晰又糊成一片，主体既静止又有运动拖影。
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闪光灯说白了也是一种灯，只不过它闪一下就灭了。那对于相机来说，一盏闪一下就灭的灯和一盏一直亮着的灯有什么区别呢？我们来看下面这两张照片。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/8d/e2/8d40612ce3112624e3b2e10d1a965fe2.jpeg" alt="" title="Gjon Mili">
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这是摄影师 Gjon Mili 在 1942 年使用大画幅相机 + 闪光灯为《生活》杂志（**Life Magazine**）所拍摄的行走的希区柯克。
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这里说句题外话，《生活》杂志是上世纪一本在美国家喻户晓的老牌周刊杂志，从 1883 年创立开始，中途几经波折，直到 2007 年彻底停刊。杂志社以出版发布高质量的新闻图片、摄影作品而闻名，我们所熟知的大量传世佳作几乎都是当年首发在《生活》杂志上的，你如果有兴趣不妨去网上搜一下，看看以往的杂志内容，这也是了解摄影史和好照片的好方法。
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说回这张希区柯克，它的方法是使用相机上的 B 门长曝光，外加连续多次点亮闪光灯拍摄而成（学名叫频闪摄影）。在实际拍摄时，摄影师先将长曝光打开，希区柯克每向前走一步，摄影师就手动控制闪光灯让它闪一下。画面里有九个希区柯克，证明闪光灯闪了九次，在这个过程中，相机快门始终保持打开。因为拍摄环境非常暗，除了闪灯就没有其他光源了，相机只能捕捉到闪灯点亮时的画面，所以人物没有运动拖影、并且九个影像彼此分离。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/b0/b3/b0abe2f54fe78642d02ba068a88f41b3.jpg" alt="" title="Bill Wadman">
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我们再来看这张图，这是我在网上随便搜的一个摄影师用常亮灯 + 长曝光拍摄的照片。不同于闪光灯亮一下就灭，常亮灯始终点亮着画面里的舞蹈演员。虽然都是用 B 门长曝光，但用常亮灯拍摄到的图片，人物的运动轨迹就会是由拖影构成的一片模糊，区别于用闪光灯频闪拍摄所得到的清晰、分离的运动轨迹。这也就是闪光灯和常亮灯的最大区别。
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**在使用闪光灯时，相机捕捉到的是物体被点亮的那一个“瞬间”**。所以，在使用闪光灯时，你的拍摄参数是根据闪光灯的亮度（也就是闪光灯的输出功率）进行设置的，而不是像常亮灯那样，对周围整体环境进行测光。这也就是为什么我们总说，在没有其他工具辅助的情况下，闪光灯拍出来的照片都比较“硬”，因为它只管被点亮的部分，相机也只能根据被点亮的部分设置参数，而那些没被点亮的周围环境统统都会是阴影，这也就是为什么用闪光灯闪出来的照片，前景跟背景的明暗差异通常都比较大。
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搞清楚了这一点，我们就搞清了闪光灯的核心，然后我们才能知道为什么要用闪光灯。
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所以，我们现在可以部分回答刚才的问题，大白天的开闪灯，能干嘛？能制造特效。那除了制造特效，闪灯还能用来干嘛？
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**它还能点亮前景，压暗背景，将主体从背景中分离出来**。要它足够亮，就能让你完全忽略环境光源，用它来突出前景主体，起到简化画面的效果。听上去是不是有点像大光圈虚化？所以你看那些喜欢拿闪灯到处闪来闪去的“新锐”摄影师，从某种意义上说，跟喜欢开大光圈虚化的老法师没什么太大区别。
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我们来看一张特别典型的闪灯照片。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/e9/6b/e9980a7181747b6612c1fcee8aabb26b.png" alt="" title="Joey Lawrence">
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看这张非洲土著的照片，注意看人物后面的背景，非常暗，但这并不是因为拍这张照片的时候天快黑了，而是因为闪光灯把背景给压暗了。我来简单讲一下原理。
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假如没有闪灯，拍这张照片的时候，光效该是什么样就是什么样。但我现在在这人边上支了一盏闪灯，我们知道，功率再强的闪灯也不可能照亮那么远的背景，所以，只有前景这个人物本身会被闪灯点亮。
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现在，我打开闪灯，给人物打了 1EV 强度的光，也就是说人物的曝光值提高了一档，这时候人物就有点过曝了，为了保证人物的曝光值不变，我需要调整相机参数，让相机的曝光减一档。这样一来，虽然人物回到了原来的曝光状态，但因为闪灯没法把远处的背景也打亮，所以背景的曝光就比原来降了一档。如果闪灯给人物打了 2EV 强度的光，同理，在我们调整完相机参数以后，人物曝光保持不变，但背景的曝光就会降两档。
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回过头去看这节课开头的那张 Martin Parr 的照片，为什么我们一眼就能看出来他用了闪灯？因为前景和背景的明暗差异，因为背景和天空被完全压暗了。
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这也就是为什么用闪灯拍照片，我们能把白天拍成晚上，能把白色背景布拍成黑色背景布。这里面涉及到很多细节的操作，现在不多讲，我打算用一个小实验让你亲自感受一下。
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等你今天回家，坐在写字台前，打开台灯，拿出手机，自拍模式，画面里有你的脸和你身后的背景，你把脸慢慢地向台灯靠近，注意屏幕里你身后的背景，会越来越暗。这是因为手机相机会对你的脸进行自动测光，不管脸多亮，相机都会保证脸曝光准确且恒定，所以随着你的脸离台灯越来越近，你的脸就会越来越亮，而相机的曝光参数就要不停地随之下调，于是，你身后的背景就会变得越来越暗。
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咱们继续往下说，我们看回 Joey Lawrence 拍的这张照片，虽然能看出来闪光灯的强度很高，但如果从光的质量角度去看，这并不是一个硬光，闪光灯虽然是一个点光源，但没有制造出硬光，为什么？因为他用灯箱和柔光布修饰了光线。这就是我们下面要说的：**我们用闪光灯，不仅可以控制光源的位置和光线的强度，还可以修饰光线，改变光线的质量**。下面这张照片就是一个很好的例子。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/da/fd/da6cbf476a65349916dd9bfb538565fd.jpg" alt="">
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我们之前讲光的方向时说过，逆光下一般没法儿拍照片，因为人物会漆黑一片，除非你要的就是那种漆黑一片大逆光的效果。但有了闪灯就不一样了，即便人物背对着太阳，你也一样能拍到清晰的人物，因为闪光灯把逆光下的人物给点亮了，上面这张图就是非常好的效果示范。左边人物在逆光下完全看不清，右边人物由于闪光灯补光，逆光也清晰，注意看：她头顶的闪灯罩了一美容碟，让光线更柔；她腿边还放了块反光板，原理是利用反光材料，把从头顶射下来的光线反射回人脸上，减少阴影。
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为了彻底掌控光线，我们发明了很多修饰光线的工具。我们之前提到过美容碟和柔光箱，还提到了标准罩和蜂窝网，除此之外，还有束光筒、反光伞、柔光板、栅格布，等等等等。但这只是类别，每一种类别还有各种型号：比如柔光箱，有圆形的、有长方形的、有八角形的；比如反光伞，有白色的、有银色的、有敞口的、有深口的；比如标准罩，有 55° 的、有 70° 的、有 98° 的；比如反光板，有半透明的、有白色的、有银色的、有金色的、有黑色的……
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乍一听这么多东西，可怎么搞？其实很简单，这些东西都只有一个同样的目的，就是要控制光。而控制光，就是控制我们前面讲过的四要素：**质量、方向、强度、颜色**。通过**调整光源面积来控制光的质量，限定光的路径来控制光的方向，选择不同输出功率来控制光的强度，增加各种滤色片来改变光的颜色**……所以，塑光配件再多，我们也不用慌，看一眼那个东西能怎么影响光线，我们就知道应该怎么用它了。
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闪灯这事儿其实如果教技法，能说的太多了，单独开一门课都很正常，所以这节课我们就先点到为止。
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接下来咱们再说**常亮灯（Continuous Light）**。
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上节课我用超市里的布光简单讲了一下怎么观察光线，其实超市里的灯就是常亮灯，但我们不能控制它们，所以它被我归在了环境光里。但现在说的这种常亮灯，是可以任由我们操纵的灯。
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本质上，常亮灯和闪光灯并没有太大区别，无非还是靠调整光源面积以控制光的质量，限定光的路径以控制光的方向，不同功率和档位用来控制光的强度，各种色片用来改变光的颜色。但是，常亮灯跟闪光灯比有一个优势，那就是**所见即所得。**用闪光灯的话，需要你非常清楚各种参数，因为它闪和不闪差别很大，即便它闪了，它闪的那一下你也看不清，只能在成片上看效果。但常亮灯就没这么麻烦，你看见的是什么，拍出来就是什么。
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常亮灯的集大成者应该就是电影布光了吧，所以电影截图可以被我们拿来当成最好的教学模板。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/3c/a3/3c1294587088b1fedf30085ad9e024a3.jpg" alt="" title="王家卫《花样年华》[br]Cinematographer: Christopher Doyle（杜可风）">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/fd/dc/fd7139b05fe212333f50d291cc9734dc.jpg" alt="" title="Peter Jackson《The Lord of the Rings》[br]Cinematographer: Andrew Lesnie">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/a8/9e/a88e051f2c5fbc3638a0c8168473719e.jpg" alt="" title="Todd Haynes《Far from Heaven》[br]Cinematographer: Edward Lachman">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/3f/d7/3f8af5d1aa08cc24b33bba28695a00d7.jpg" alt="" title="Wes Anderson《The Grand Budapest Hotel》[br]Cinematographer: Robert D. Yeoman">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/bf/f0/bf2e4426adf027e62af45323c56161f0.jpg" alt="" title="Sofia Coppola《Marie Antoinette》[br]Cinematographer: Lance Acord">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/0b/4b/0b8844c6969a4db398c2f7bb492f294b.jpg" alt="" title="Andrew Adamson《The Chronicles of Narnia》[br]Cinematographer: Donald McAlpine">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/47/ae/47ebed129f6470e80165d7b4e5cb54ae.jpg" alt="" title="Paul Thomas Anderson《The Master》[br]Cinematographer: Mihai Malaimare Jr.">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/ad/07/ad09f2dfe0ced58cdbd40990f2874407.jpg" alt="" title="Francis Ford Coppola《The Godfather》[br]Cinematographer: Gordon Willis">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/d6/71/d697af6b8a83ed0ab9b2641c2308dd71.jpg" alt="" title="Frank Miller/ Robert Rodriguez/ Quentin Tarantimo[br]《Sin City》[br]Cinematographer: Robert Rodriguez">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/5e/d7/5e082433ce0b11b9293fff9458dbdad7.jpg" alt="" title="Alfonso Cuarón《ROMA》[br]Cinematographer: Alfonso Cuarón ">
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电影布光基本就是把光的四个特性都攥得死死的，任何一丝光亮都是为了画面服务的。
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插一句，不知道你有没有注意到，这些电影截图里有一些场景的光线环境非常暗，但是景深又非常大，跟我们日常在暗光环境下拍照片的体验完全不一样，这是怎么做到的？不知道你见没见过电影的片场，经常都是灯火通明的，非常非常亮，景深大是因为用了小光圈，小光圈把画面压到了这么暗……所以电影里有些场景看着特别暗，但其实拍的时候片场特别亮。
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这里再说一个实用小窍门：日常用 RAW 格式拍照片的时候，可以多选择在暗光环境下进行拍摄，这样做比较容易控制影调。或者是寻找光比比较大的场景，然后使用低于标准曝光值的参数进行拍摄，这样做的话，一是能给后期留下更多空间，二是能让影调更丰富，更戏剧性。
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虽然我们日常生活中不能用拍电影那样的阵仗布灯，但一盏台灯，一排串儿灯，一把手电筒，一块电脑屏幕，一套简易的闪灯组，都能变成我们手头的光源。
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比如我拍过这么一张照片。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/a4/f5/a4920da550263062502e2d706c66cef5.jpg" alt="">
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看起来像棚拍，像用了闪光灯，但实际情况是这样的：
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/e3/be/e3db341640ba2419bd690a0268e84fbe.jpg" alt="">
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一盏昏黄的小台灯，给灯泡套上塑料袋（或者裹上餐巾纸也行），柔和地打亮人物的左脸，再用枕头挡在这盏台灯的后面，不让它的光过多地溢出到墙壁；一把手电筒从斜后上方直射下来，较为强烈地打亮人物的右脸；前面把电视打开，调到一个纯白的画面，给人物正面补一点点光，一是保证正前方不会漆黑一片，二是保证人物的眼睛里有眼神光。
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虽然这张照片瑕疵很多，但在这种情况下，能拍一张这样的照片我就已经很开心了。
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光这个东西，真的没什么新鲜的，“正经打光”也绝对不是我们触不可及的技术。台灯、手电筒、塑料袋、枕头、电视，再加上两三好友，或者其实都不用这么复杂，就用一盏台灯，只要它的距离对、方向对、光照强度对，你就能拍出一张比较像样的照片。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/bd/28/bd2da290e0f65b5390f3ac8d37e3d828.jpg" alt="">
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这节课的最后，我们再来看一个小知识点：**平方反比定律 (Inverse Square Law)**。
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平方反比定律指的是：**物体或粒子的作用强度，随距离的平方而线性衰减，即作用力与距离平方成反比关系。光是粒子，所以光也遵循这个定律**。先来看一眼下面这张图。我们把这个定律用最简单的方式画出来，省略掉那些复杂的学术名词和公式，方便你理解。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/53/0e/532d6495f611610a7081c72711e24e0e.jpeg" alt="">
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我来简单解释一下。这张图，上面一排数字是光的输出功效，下面一排数字是距离，两排数字都没有单位，这就是一个比例的示意图。我们以距离为 1、光的输出功效为 1/1（全功率输出）为基准，当我们离光的距离变成 2 的时候，光的输出功效变成了 1/2²，也就是 1/4，当我们离光的距离变成 3 的时候，光的输出功效变成了 1/3²，也就是 1/9。很好懂，是吧？
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但我们知道这个以后能干嘛？这就又回到我们之前说过的，通过打灯，能把白墙拍成黑墙。
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举个例子，如果我现在在一间纯黑的屋子里，这间屋子刷满了大白墙，我有一个模特，还有一盏闪光灯。我要给这个模特拍一张背景是黑色的肖像。如果我让这个模特贴着墙坐，那无论我怎么调整闪光灯的功率或位置，无论我怎么调整相机参数，我也不可能把白墙拍成黑墙，因为模特跟光源之间的距离基本等于他背靠的白墙跟光源的距离，光源作用在模特身上和作用在白墙上的效能基本上是一样的。
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在我们学会光的平方反比定律以后，这个问题就好办了。
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我可以保持闪灯跟模特之间的距离不变，然后让模特远离白墙，这样一来，光源作用在模特身上和作用在白墙上的效能就不一样了。模特受光依然充足，但白墙因为离光源远了，所以就暗下来了。当我们让模特远离白墙到了一个足够远的距离，白墙就能彻底变成黑墙。
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那可能有人会问，如果不是漆黑的屋子怎么办？可以，我们再来想。
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现在变成了是一间光照充足的屋子，依然是白墙，我依然要用闪灯给这个模特拍一张背景是纯黑的肖像。首先我们现在可以知道，只要这个模特贴着墙坐，那无论如何我是不可能把他身后的白墙拍成黑墙的，所以我们还是要利用光的平方反比定律，让他远离白墙。
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但是，远离白墙以后，白墙因为屋内光照充足也还是白色的呀，这咋办？我们这节课前面讲过怎么用闪灯压暗天色，可以翻回去看一眼那张非洲土著的照片。但现在，我们要反过来考虑一遍这个问题。
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如果没有闪灯，我们能不能通过调节光圈、快门、ISO，把一间明亮的屋子拍成一片乌漆嘛黑？当然没问题。我可以把光圈开得超级小，把快门速度设置得超级快（但需低于闪光灯的最高同步速度），把 ISO 调到最低，这样一来，我们就能把光照充足的屋子拍得乌漆嘛黑，白墙就会变成黑墙。当然，这个时候模特也是黑的。所以我们要让模特离闪灯非常近，把闪灯功率调好，这样一来，闪灯闪的那一下，会把模特打亮到一个合适的曝光值，但黑墙还是黑墙，因为闪灯照不到墙壁（光的平方反比定律，闪灯离墙太远，光线衰减没了）。也就是说，我们靠调节相机参数，把屋里本来的光照给压没了，然后又靠闪灯，给模特打出了一个标准的曝光值。
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至于这些情况的具体参数是多少——你可以自己拍一拍试试看。
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## <center>总结</center>
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这节课要总结的可太丰富了。
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光，是摄影里的一个非常重要的话题，我们每个知识点都浅尝辄止地讲，还讲出来了三节课，所以，光，远远不止我们讲过的这些，要想完全掌握住这些知识点，只靠听一听课是不可能做到的。
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我们现在知道了光分软硬，光的软硬跟光源面积和光源距离有关。我们知道了怎么通过影子判断当前的光照环境是硬光还是软光，影子边缘锋利是硬光，影子边缘模糊是软光，但光源的软硬不是绝对概念，是相对概念。我们还知道了硬光适合拍什么，软光适合拍什么，一些“看起来可能不太适合拍某一题材”的光源，也可以根据你脑子里的构想让一切变得顺理成章。
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我们现在知道了有些光源我们能控制，有些光源我们不能控制。面对那些我们不能控制的光源，我们要去观察它们，利用它们。比如太阳这个大灯泡，我们能利用它的角度、利用它的颜色，我们能根据它的状态，用“阳光十六法”快速调整相机参数。我们还知道了光的方向比光的软硬更能决定一张照片的观感。
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我们现在知道了闪灯到底是用来干嘛的，知道了一堆用来修饰光线的器材和方法，知道了如果我们把光的四大要素紧紧地捏在自己手里，就能创造出我们想要的视觉效果。我们知道了“正经打光”不是我们触不可及的技术，生活里的任何光源都能为我们所用，只要它的距离对、方向对、光照强度对，我们就能拍出一张比较像样的照片。我们知道了光的平方反比定律，结合闪灯的特性，我们可以把白墙拍成黑墙，可以把白天拍成黑天。
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光这个东西，实在是太有意思了，但也实在是太复杂了。想拍好照片，不如就从现在开始，多观察多利用生活里的各种光线吧！
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## <center>课后小练习</center>
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在台灯底下垫几本书，让台灯从斜上方 45° 给你的脸打个光，拍张自拍（如果有多余手机的话，也可以从另一侧给自己补个光），然后脑袋可以来回转一转，或者调整台灯位置，观察一下来自不同角度和距离的光线能给脸部带来什么不同的阴影效果。拍的时候可以滑动手机屏幕让曝光暗一点，看看效果如何。
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</li>
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<li>
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用手机上的相机，打开闪光灯（不是当手电筒用的那个常亮模式），不要开自动 HDR，找个朋友当模特，先抵近人脸拍一张照片，然后退后一小步再拍一张照片，观察一下人脸上的曝光是否恒定，观察一下背景的明暗变化。感受一把闪灯的神奇。
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</li>
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我们下节课见。
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极客时间专栏/摄影入门课/实战篇/14 | 静物：静物是静物么？.md
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136
极客时间专栏/摄影入门课/实战篇/14 | 静物：静物是静物么？.md
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<audio id="audio" title="14 | 静物：静物是静物么？" controls="" preload="none"><source id="mp3" src="https://static001.geekbang.org/resource/audio/c9/4d/c99dfb075efd6baa3f042b6700eb414d.mp3"></audio>
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你好，我是小麥。这节课上课之前我先闲扯两句。
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在划分目录的时候，这套课被划分成了三部分：历史、理论、实战。理论篇有八节课，虽然我们讲了好多晦涩的概念和科学定义，但其实基本每节课都是由实拍案例和名作分析组成的，也都给出了具体的操作方法论。所以，学到现在，你应该明白，拍照片这件事，如果不进行实际拍摄，你其实什么也学不会。
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接下来实战的四节课分别是静物、人物、风光和街拍，虽然听起来像是针对某一个具体题材讲操作技术，但其实并不是这样。**这四节课，我不会教什么“摄影大师速成真经”，你也不要期待它会是“高频技巧十天突破”，相反，我要讲的很多东西都跟“拍照片”里的这个“拍”字关系不大。**
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好，现在我们正式上课。
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我们给这节课起标题的时候想到了这个挺诡异的说法——静物是静物么？虽然听起来挺吓人，但问题是好问题。
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我们先来看两张图。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/ce/73/ce998ef17ad781617b8e2080f3e06f73.jpg" alt="" title="Edward Weston">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/0a/0f/0ad7291b5672b89d4962545a3519600f.jpeg" alt="" title="Matt Stuart">
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第一张图是 Edward Weston 拍的柿子椒，Edward 这人挺逗的，专长拍摄各类瓜果蔬菜，青椒、圆白菜、洋葱、胡萝卜、鸡蛋、香蕉等等。他也擅长拍人像，但更多还是把活人也当静物来看待，因为他拍的裸女都不带脸，你如果有兴趣可以科学上网，自行 Google。
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第二张是街头摄影师 Matt Stuart 拍的工程垃圾车，画面里没有人，都是静物。视觉错位是街拍爱好者一开始最喜欢拍的题材，很多人也尝试去模仿，但结果一般都不太让人满意，主要在于画面不够简洁……具体原因就不展开讲了。
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总而言之，我想让你想一下，如果是你有一柿子椒，或者是你看见一垃圾车，你会拍成什么样儿——很可能是这样：
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/ff/cd/ff2e7a10aa7bf2aee7ee0b75859a44cd.jpg" alt="">
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所以，在摄影的语境下，静物到底是什么？
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我个人认为，**静物其实是你自己，是你希望看到的东西，是你观察世界的角度。**顺着这个思路我们往下捋，我们先从拍食物入手。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/a4/5e/a4521d484609cd2f2d4658f940d38a5e.png" alt="" title="夹带私货，我喜欢这片子">
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现在很多人喜欢在吃饭之前先“消毒”，拍个九宫格发完朋友圈以后再开动。尽管我对这事儿经验严重不足，但从拍照片的角度，我还是能说两句的。
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我们为什么要拍吃的？可能这顿饭比较上档次，从摆盘上就能看出特别贵；可能这顿饭很特别，它是贫困山区里的一顿窝窝头就咸菜；可能这顿饭是你，或者是你的男女朋友第一次下厨，拍完发朋友圈，做砸了嘲笑嘲笑，做好了炫耀炫耀……总之，**目的性都非常明确。**
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大部分摄影爱好者在有了相机、草草地拍过一段时间以后，就不知道接下来该拍什么了，更不知道自己为什么要拍了。
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举个例子，很多摄影爱好者都很喜欢“扫街”（拿着相机满世界溜达，走哪儿拍哪儿），他们一开始会被街上的“人间烟火”所吸引，他们觉得那些东西特别有人情味儿，拍出来显得特别人文，你懂的……但拍了一阵之后，那新鲜劲儿就过去了，再加上出片量可能不尽如人意，那些照片不再能给自己带来成就感，最后，这场摄影之旅基本都是无疾而终，相机开始吃灰，吃一年两年三年，吃到他们突然发现了一套特别好的摄影入门教程，才又开始用起来了。
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很多人拍照片都很盲目，根本没搞清楚自己想干嘛，所以也很难拍出好照片。
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所以拍食物这件事儿，其实是一个非常好的切入点，因为我们每一次拍，都有一个非常明确的目的。恰恰是这种“功利”的心态，才能让 Edward Weston 把柿子椒拍得像个肌肉男蜷成一坨。
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这话题再往下聊就深了，但我突然想起了开篇词留言区的一条留言，有个人说“这些照片过于艺术，其实大部分 IT 行业的人只是想学怎么给小姐姐拍出好看的照片”，本来我想 diss 一下他为什么不考虑小弟弟小妹妹和小哥哥们的感受，但转念一想，也是，毕竟是个入门课，稍微讲几句花拳绣腿的小技巧也没什么不可以。结合我们前面学过的知识，我们来看看食物怎么拍。
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先来看几张图。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/6b/4f/6b19b088d638d33246d1e32ac3c23a4f.jpg" alt="">
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我看过很多美食照片，拍摄角度基本上就两种，像第一排，从正上方拍，像第二排，从斜上 45° 左右的角度拍。你可以去网上搜一搜美食照片，所有的美食照片，基本就这俩角度。
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而且，不知道你发现没有，从正上方拍，景深通常都很大，但相机只要稍微斜一点儿，景深一下就浅了。所有照片捋一遍，步调之统一，就跟一个人拍的似的。我们可以用我们学过的知识来分析一下为什么会这样。
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首先，从正上方拍，一般很难把相机架到特别高的地方，所以相机离桌子的距离会比较近，如果想把桌子拍全，就要用广角镜头。注意看第一排的三张照片，越靠近照片边缘处的圆形越不圆，它们被镜头边缘的畸变拉变形了，这就验证了我们对镜头使用的猜测。我们之前说过，广角镜头本身景深就比较大，再加上从上往下拍，盘子啊碗啊什么的高度也都差不了太多，所以一张照片看上去就非常清晰，没什么虚化效果。
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我们再来看第二排，斜上 45° 拍摄。在这种情况下，一般都会选择标准镜头，或者是中长焦镜头，更专业的会用微距镜头，为了突出食物本身。用这些镜头的目的是收缩视角，方便屏蔽掉不必要的画面元素，也可以省去布置背景的麻烦。另外，长焦镜头有压缩空间感的功能，用长焦斜着拍可以让桌上的吃的显得满满当当，一个挨一个，特别紧凑。
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所以这两个角度是两种不同的思路：
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- 正上拍，广角镜头，大而全，画面中的元素很分散，需要靠“补位”的方法，也就是说靠添加道具和视觉元素的方法让画面丰满起来；
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- 斜上 45°拍，标准或中长焦镜头，小而准，尽可能靠窄视角和浅景深来简化背景，只突出前景的一种食物。
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你可以想想咱们用手机拍吃的的时候是不是也是这样，基本就这俩角度。从正上方拍的时候我们会站起来，甚至恨不得站椅子上。但斜着拍的时候，因为手机没有真正意义上的长焦，也没有太浅的景深，所以我们会利用物距影响景深的办法，把手机贴在菜上拍微距，这样一来，一是能搞出来一点儿背景虚化，二是可以把很多没用的或者不好看的背景元素都排除在画面之外。
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直觉让我们做了很多我们并不理解其中道理的事情。
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我们再来看一眼这两排照片有没有什么共性。用心看我们会发现，这些照片用的基本都是软光，光很平，很均匀，同时颜色也非常正，白色就是白色，这就涉及到了我们之前说过的白平衡。与此同时，颜色也很饱和，很明亮，不会暗了吧唧的。其实“颜色正”和“很明亮”大概率可以让照片显得比较高级，那些乱七八糟的滤镜虽然有时看着还挺好看的，但不管怎么说，它们都会让你的照片显得特外行。除此之外，这些照片的画面都非常简洁，除了食物本身和与食物有关的道具以外，不会出现其他无关的东西，这一定是人为干预画面的结果。所以，**如果想拍出正经照片，先从“颜色正”开始，别一上来就追求滤镜风。**
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我来举个失败的例子。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/14/2e/14d93af7e166789588def5222459bf2e.jpeg" alt="">
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这是我在东京迪士尼乐园里拍的一张照片，拍得很仓促，因为吃蛋糕要紧，所以用手机随便一拍，套了一个 NOMO 的滤镜。相比于上面那些照片，虽然我们的构图和拍摄角度都差不多，但我的照片就显得非常游客。即便我也没那么喜欢他们那些照片，但我还是得承认我这张更完蛋。
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我找来的例图都是你模仿起来相对容易的，我没一上来就找那种天花乱坠的照片，因为会吓走很多人，比如下面这种：
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/44/19/4469b0891a8f5edacfdab1d553e03519.jpg" alt="">
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这些照片需要的就远不止“知道怎么用相机”了，它们完全是人造画面。拍它们需要想象力，需要执行力，需要制定拍摄方案，进行场景设计，布光、拍摄、后期一样都不能少。很多人苦于自己没有想象力，总觉得自己拍的东西没有个性、千篇一律，如果你天天只看只拍标准照，当然不会激发你的想象力，最多能训练训练你的观察能力。所以，在掌握了技巧以后，你一定要学会**人为干预画面，人为设计画面**，多看、多拍、多偷师，日积月累，你也能构思出不同于他人的画面。
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好，说完了好吃的，下面我来简单说两句好玩儿的。
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去年我买了一对手办，黑武士和暴风兵，我从来没拍过小玩具，所以很想试一试。如果我用手机随便一拍，基本就是这样的：
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/56/ab/56641eebecbe38010f4796322043bbab.png" alt="">
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发朋友圈够用了，但我不是很满足，我准备用家里随手能找到的光源打打光，试拍的时候拍成了这样：
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/62/18/623a3439a39591ad861f00fac73adf18.jpg" alt="">
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随后我加了几个光源，利用光的平方反比定律把白墙压成了黑墙。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/0a/b8/0ac5771f3e45c20a435ba8362ca86db8.jpg" alt="">
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但我还是不满足，觉得还可以更精致，整个过程历经了将近十个小时，几百张照片（这俩小人儿老是站不住，而且他们身上能动的零件太多了，很麻烦）……最终，拍出了一张这样的：
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/5f/0b/5f2ecb2775c0d19c0e6ca76cbf6e1a0b.jpg" alt="">
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过程中我用了一堆“设备”（仨台灯、俩反光板、一把手电筒，一部测光表等等等等），但拍到最后这一张，就只剩下了三样设备：相机、三脚架和一把野外用的手电筒（可调焦距，有强弱两档输出功率）。
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我把相机支好，参数调好，定时拍摄设置好，这样每次按完快门以后有 5 秒钟的时间留给我跑过去用手电筒给黑武士和暴风兵打光。一次只打亮一点儿，顶光、侧光、逆光、侧逆光、面光，等等，光线有硬有软，有强有弱……拍了大概二三十张，然后靠后期合成，拿 PS 里的蒙版擦擦擦，又搞了两三个小时，最后搞出来了这张照片。
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所以，静物真的就只是一些不会动的东西等着你随便一拍么？
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静物确实就是一些不会动的东西，但它们能以什么样的面貌示人，其实全指望你呢。
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不知道你还记不记得我们第十课讲“什么是好照片”的时候提到过一个观点：如果一张照片的“好看”全是由外因导致的，那这张照片大概率会是一张平庸的照片。西餐是很容易拍好看的，但我们要学会判断，在一张好看的西餐照片里，是大厨的功劳大还是摄影师的功劳大。想拍好照片，我们就要带着这样的眼光来审视我们身边的照片。
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另外，不知道你有没有发现，我们之前学过的基础知识在讲实战的时候都来凑热闹了，掌握它们，我们就可以分析照片。我之前也说过，会分析才能谈模仿，能模仿才能自主创造。现在我们看一张照片，我们可以大概“猜出”摄影师用的器材，“猜出”摄影师的拍摄意图，“猜出”摄影师拍摄时的处境和需要面对的棘手问题……想“猜出”这些东西，需要我们掌握摄影的基础知识，需要我们在实操中总结经验。单纯靠在网上学习“摄影小技巧”，照猫画虎地对照着那种步骤图按快门，是不可能让你学会拍照片的。
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说回到静物，拍静物的时候不要寄希望于静物本身有多吸引人。它静静地待在那儿，**它需要你上手摆弄它，需要你人为干预它，需要你用你独特的视角、敏锐的观察能力和脑洞大开的想象力帮它重获新生，拍出它超越日常视觉观感的一面。**
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## <center>总结<center></center></center>
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我们本能地会被在日常生活里见得少或者没见过的画面所吸引，喜欢新鲜东西，追求视觉刺激，但长此以往，我们就会越来越不在意身边特别日常的画面。这件事不单单特指新手或爱好者，我自己也会有这样的问题。
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我在日常生活中掏相机的次数越来越少了，我当然可以说“凭我的经验，我觉得这东西没啥好拍的”，事实可能也确实是这样，但我的日常生活真的就什么都不值得拍了么？
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Christopher Anderson 跟滨田英明都拍自己的老婆孩子，川内伦子拍西瓜皮， Matt Stuart 拍垃圾车拍鸽子腿，这几位都是我们之前课里提到过的人。除此之外，还有拍老婆孩子跟狗的森友治，还有主职当保姆、兼职“业余”拍照片的 Vivian Maier。
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Vivian 当了四十年保姆，拍了四十年照片，只要出门就带相机，拍了十五万张底片——但她从没给别人看过，甚至大量底片都没被冲洗过，也就是说，她拍的好多照片连她自己都没见过。
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拍得好的人必然是长年累月只专注于一种题材。去看看那些有名的摄影师，风格、题材一致得几乎吓人，几十年下来拍同样的东西。如果你喜欢拍一个什么东西，但拍着拍着就觉得没劲了，那应该就是其实你也没那么喜欢那个东西。
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我老师说过：
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“我希望能帮大家改变对摄影的看法，单纯因外界刺激而拍摄是无法在日常保持拍摄热情的。摄影的至高境界是无中生有，是建立一种自己独特的观察方式。”
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这节课就结束在这儿吧。
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我们下节课见。
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183
极客时间专栏/摄影入门课/实战篇/15 | 人物：会聊天比会拍照片更重要.md
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183
极客时间专栏/摄影入门课/实战篇/15 | 人物：会聊天比会拍照片更重要.md
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<audio id="audio" title="15 | 人物：会聊天比会拍照片更重要" controls="" preload="none"><source id="mp3" src="https://static001.geekbang.org/resource/audio/b0/a7/b0f14fdca6137fa298b6d290597acfa7.mp3"></audio>
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你好，我是小麥。
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上节课我把话题引到了“拍摄日常”，我提到了我老师说的话，“单纯因外界刺激而拍摄是无法在日常保持拍摄热情的”，这节课，我们就可以讲一个谁也不能说在自己日常生活中没得拍的题材——人。
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人，是一种取之不尽用之不竭的“自然资源”，但是不知道你有没有发现，我们日常正经拍照的时候，拍静物和风景远多于拍人，即便我们拍身边的人，比如家人、朋友、同事，更多地也只是在单纯地记录，反倒是去旅游的时候拍当地人，才会认认真真过脑子，想着怎么能把他们拍好看。这是几乎所有摄影初学者都有的一个误区，没能养成观察、思考日常生活的习惯，认为只有出远门才能拍到好照片。所以，还是那个意思，我们要想办法尽量从日常中取材，一味地追求新鲜感是无法长久地持续下去的。
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我老师给基本她的每一个学生都留过一个作业——拍一张肖像。模特要找身边的人，光源尽量要用自然光。我当时给一个朋友拍了一张肖像照片，完成了这个作业，然后从这张照片开始，我一鼓作气又拍了好几十个人，深刻地理解了肖像之难。
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拍肖像最容易搞定的难点是技术问题，所以我们先简单来说说拍肖像都会涉及到哪些技术。
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**首先，镜头用什么焦段**。我在专门讲焦段的那节课里也说过这事儿，广角镜头由于透视畸变会把人脸拉变形，所以如果你想拍大头照或半身像，同时又没有什么特殊需求，可以尽量用焦段长一点的镜头，它们比较贴近人眼的自然视觉。但太长也不行，用一支 400mm 的镜头拍人，能把人脸拍成大饼，另外，用特别长焦段的镜头拍人还有一个非常误事儿的弊端，我们之后会说到。所以，考虑到我日常还得拍一些纪实题材的照片，我选择了 24-70（24mm-70mm）这支镜头，平常拍纪实的时候用 50mm 以下，拍肖像的时候把镜头拧到 70mm 端。
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普遍意义上最好的肖像镜头大家都说是 85mm 和 105mm，室内用 85mm，室外用 105mm，主要是因为距离和透视都合适，但其实焦段选择这事儿也没那么绝对，还是取决于你想要什么样的视觉效果。
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**接下来，用多大光圈进行拍摄**。如果拍肖像（头像、胸像或半身像），用 70mm 焦段的镜头，我大概会距离被摄对象 1-1.5m。70mm 焦段的镜头在对焦距离是 1m 的时候，如果光圈是 F5.6，景深大概是 6cm，足够覆盖从鼻尖到耳朵的距离。为了保险起见，我也可以再后退半米，这样一来景深又会增大 9cm，变成 15cm，如果我对模特的眼睛进行对焦的话，即便我的手和被摄对象有前后轻微的摇动，我也能确保人脸上的一切都合焦。所以我会在比 F5.6 小的光圈范围内做选择，光圈开得越小越保险，因为景深范围更大。
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**再来，光源**。手边儿找，有窗户就用窗户，有台灯就用台灯……如果用窗光，有纱帘或窗帘最好，因为纱帘就相当于柔光罩，窗帘就相当于遮光板，方便我控制光源质量和方向。台灯最好有灯罩，跟窗帘是一样的道理。在学完“光”的那三课之后，我相信你现在应该明白我说的是什么意思。
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其实我拍肖像用的频次最多的光源是我的笔记本电脑。屏幕上开一个白色的页面（通常是 Google 的主页），或者用 PS 在纯黑的底色上画一个白色圆形，这两种方式决定了人物眼睛里眼神光的形状，我习惯拍男生用方形，拍女生用圆形。屏幕离人近一点，光就柔一点，屏幕离人远一点，光就硬一点，而且屏幕还能调节亮度，非常方便。
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但是，接下来就遇到问题了，有的时候，在环境非常昏暗的情况下，屏幕调到最高亮度也没有多强的光照，当然，其实我可以进一步把光圈放大。我这支镜头的最大光圈能开到 F2.8，相比 F5.6，大了两档曝光，其实非常好。但 70mm 的镜头，F2.8，对焦距离在 1.5m 的时候只有 7cm 的景深范围，也就是说，我稍微晃一下，或者被摄对象稍微晃一下，就有可能失焦，我不想冒这个险，所以我把死了光圈，最大不能超过 F4。
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那除了光圈，我还能怎么控制曝光？当然是快门和 ISO，我就不细说了。最终，我得到了一组终极参数：光圈 F4 是上限，不能再大了；快门 1/13s 是下限，因为 70mm 焦段镜头的安全快门是 1/70s，而且我是手持拍摄一个可能会动的对象，所以不能再慢了；ISO 800 是上限，为了保证画面纯净度，不想再高了。我为什么要说这个终极参数？因为很可能用这组极端参数拍出来的照片也曝光不足，但没有关系，差三四档曝光都没有关系，把 RAW 图放进 PS 或 LR (Lightroom，图片处理软件)，分分钟拉起来。
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插一句，如果我用闪光灯，那这一切就会变得非常简单，因为闪光灯的可塑性太强了，跟随手找光源完全不是一个维度上的事儿。
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好，说回来。为什么我没有追求前期就把曝光搞定？因为我知道，有些东西后期可以补救，有些东西前期没拍好后期没招儿。曝光不足是后期可以补救的，噪点稍高一点也是后期可以补救的，但是由于光圈太大而导致的失焦和虚焦是后期无法解决的，由于快门速度太慢导致的糊片也是后期无法解决的。**所以我们前期拍摄的时候，要把注意力放在那些只能在前期解决，后期无法补救的要点上，每做一步都要在脑子里权衡优先级。**
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拍肖像，最简单的就是过技术这关。你听我说得天花乱坠的，但其实你上手拍几张，心里也就有数儿了，就知道参数应该怎么设置了。但即便你不需要为技术问题操心了，你可能还是拍不出特别好的肖像。
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我觉得我拍肖像充其量也就是刚过了技术这一关，所以我们来看几张真的特别好的肖像作品。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/0a/70/0ab9d408ae7e88fc096f76ecf26f3d70.jpg" alt="" title="Peter Lindbergh">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/aa/4e/aa46627d423472dfd2b74e335da1794e.jpg" alt="" title="Irving Penn">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/11/2f/1143044136f80c9f7df2a5faf3d99c2f.jpg" alt="" title="Yousuf Karsh">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/9f/73/9fb22f2769d7099e42d33dca50f39173.png" alt="" title="Frank W. Ockenfels Ⅲ">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/ac/84/ac9fe09fddccfe70ce325014145b2084.jpg" alt="" title="Margo Ovcharenko">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/8d/35/8da484c279fa01d322254ac6d2870e35.jpg" alt="" title="筱山纪信">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/3f/bb/3f2d0db99396ebc7d7f1c3becfea72bb.jpg" alt="" title="荒木经惟">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/fe/91/feba273356463745657b5ea8857f6591.png" alt="" title="东松照明">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/9d/e2/9d4fd1e582b9f32a7eb156403a355fe2.jpg" alt="" title="张乾琦">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/a4/12/a4727834a21db0785844a85fb8beb912.jpg" alt="" title="Hanne van der Woude">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/b4/d1/b4bca3c66e18622b801afdd1574d53d1.png" alt="" title="植田正治">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/bf/3b/bf366b32fdd0f506ed8962fa5454133b.jpg" alt="" title="Bruce Gilden">
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技术就是那点儿技术，没什么新鲜的，保证重点突出，画面简洁，一般都不会难看到哪儿去。但如果想让人像照片出彩，有两点至关重要，比技术重要好几万倍。
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首先，被摄对象本身要吸引人，这个“吸引人”不是说一定要好看，也不是说一定要难看，它更多指的是这个人带给你的感觉。好的人像摄影师最擅长的就是把这种感觉给拍出来。这不是玄学，重要的是作为摄影师，你要学会**观察你的被摄对象，隐藏或突出这个人的面部特点，抓住这个人不同于以往、不同于他人的状态**。
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从功利的角度说，“拍的是谁”确实比“拍成什么样”更重要。同一个摄影大师，拍了易烊千玺也拍了我，那肯定千玺的照片更受欢迎，即使拍我的那张照片，从摄影的角度上讲更出色。漂亮的脸蛋和名人肯定更容易有吸引力。同样的技术，拍一个天生好看的人和一个大众脸，拍一个名人和一个小老百姓，效果必然不一样。
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那有人可能会想，这拍着还有什么劲，反正我们也拍不到千玺，甚至会因为觉得自己长得太平庸，或者是觉得模特太难看，就认为自己不能被拍好，觉得自己拍不出好人像。这也是人像摄影的一大误区。我找的这些照片，有几张确实是因为被摄对象本身长得好看，或者是名人，但剩下的，几乎都是我们日常生活里能见到的普通人。摄影师把这些人拍得特别出彩，就是因为摄影师抓住了他们最精准的**神态**，而这个神态通常都来自于**眼睛**。换句话说，观察一个人，要看他的眼神， **一张人像照片里，没什么比眼神更重要**，只要眼神对了甚至都不用看脸。比如下面 Lufus 拍的这张：
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/97/0d/9795518aeaeda7797d646d633183060d.jpg" alt="" title="Lufus">
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**人像摄影的精髓，就是抓住人脸上瞬息万变的神态。**
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而为了调动起这个神态，摄影师就要**学会与被摄对象交流**，这是第二点，也是我们这节课的正题：**会聊天比会拍照片更重要**。摄影师的任务不光是拍摄，还要引导，尤其是当你想让你的被摄对象更自然一点的时候，因为大家面对镜头，或多或少都会有一点不自然。在整个过程中，交流才是重中之重，通过交流，让你的被摄对象卸下防备，你自然就能拍到你想要的效果。
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人像都是得到了被摄对象许可的拍摄，所以获得拍摄许可就得费半天唾沫星子。但许可并不代表信任，在获得许可之后，你的被摄对象还是会有两种状态：他们会在你拿起相机时变得拘谨，刻意摆出一些做作的表情和姿势；他们会在你放下相机时平和安详，轻松自然。所以你需要在这个时候跟他们进一步交流，在获得许可之后再取得他们的信任。而只有真正取得了信任，他们能听任你摆布之后，你才能让他们进入你想让他们进入的状态，可以是放松，可以是紧张，可以是开心，可以是难过……也可以是平静。
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现在就可以说回到刚才讲焦段选择时遗留的那个问题了：为什么用太长的镜头拍肖像有弊端？中焦镜头除了在视觉上更适合拍肖像之外，还有什么优势？
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**距离。**
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如果用 85mm 的镜头拍肖像，我们离被摄对象的距离大概是两米多，用 105mm 的话，大概是三米多一点，这就涉及到了心理距离。有研究表明，通常我们会认为，以我们自己为圆心，大概半米之内属于亲近区，半米以上 1.2m 以下属于个人区，1.2m 以上 3.6m 以下属于社交区，3.6m 往上属于公共区。所以用 85mm 和 105mm 的镜头拍人像，正好可以保证我们在被摄对象的社交区，不近不远，不会近到给被摄对象造成心理压力，也不至于远到跟被摄对象没有情感联结，这个距离特别方便聊天。
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这事儿你可以自己感受一下，你可以让你的同事拿手机摄像头对着你，都不用拍，就对着你就行，感受一下他离你一米远、三米远和五六米远的时候你的心理变化。
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但很神奇的是，被摄对象由于距离不同而产生的微妙的心理变化，会直接反馈在画面上。不同的距离会直接激发人物不同的神态，很多时候甚至比语言交流还管用。摄影师心理素质好不好也取决于他敢不敢靠得足够近，“如果你觉得你拍的不够好，说明你离得还不够近(If your photos aren’t good enough, you’re not close enough. —— Robert Capa)”，这个“近”，除了指空间上的距离之外，也同样指心理距离。
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至于具体应该怎么交流，就不是我可以讲的了，每个人有每个人说话的方式，每个人有每个人听话的态度，拍照片的人和被拍的人的关系也各不相同，拍摄环境和氛围也多种多样，所以这就是个无穷无尽的事儿。
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我只简单举一个我拍人像的时候的小技巧吧。
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我会在刚开始拍的时候告诉被摄对象我得先试试光，让他先别急着拿劲儿，但其实我不需要试光，我会一边假装试光一边跟他扯点儿有的没的，有意无意地问点儿需要他仔细想一下的问题，不用是什么深沉的问题，就比如问问他上周末都干啥了，这就足以能让他使劲儿地想一会儿。这样一来，他会很放松，即便是一脸思考状也很放松，然后我就拍完了。
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说到这儿，我又想起来我常用的一个方法，有点儿不体面，但每次都很奏效。
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一般拍人像的教程里都会说要多给模特正面反馈，正面反馈会让他们更自信，更自信就更自然。但我很喜欢拍大家严肃的一面，尤其是平常越嬉皮笑脸的人我越想拍他们严肃的一面。这样的人在拍的时候很费劲，他们老是自己就把自己逗笑了，所以我就只能狠下心，开始“表演”我的“失望”。我会眉头紧锁，显得若有所思，我会每拍完一张都“啧”一下，我会跟他们说拍得不理想，跟他们说一张好照片都没拍出来，特别严肃认真地说……这样持续三五分钟，他们就蔫了，因为基本每个人都会在意别人对自己表现的评价，等他们彻底老实下来以后，我就可以拍到我想要的严肃脸了。
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每个人都有每个人自己的招儿，我就是抛砖引玉一下，那咱们继续往下聊。
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拍人物，除了肖像之外，还有**环境人像**。
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其实上面的例图里，Margo、筱山纪信、张乾琦、东松照明、川内伦子已经是偏环境人像了，环境人像是啥？谜底就在谜面上，就是环境和人像。这时候，我们除了要关注人之外，还要关注环境，顺便再关注一下人口爆炸和资源短缺的问题——开个玩笑。说回来，环境方面有什么是需要我们关注的呢？
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1. **观察光线**，同样都是在一间屋里拍，你要决定让被摄对象待在哪儿会比较好；
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1. **构图**，这个不讲，因为没法讲，我会在第十七课说明原因；
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1. **体态**，被摄对象的体态要自然、要舒服、要像个正常人类，其实我们对人类体态僵硬呆板与否非常敏感，你可以想一想那些模特做作的老法师片儿；
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1. **表情和眼神光**，其实随着人物在画面中的占比越来越小，表情和眼神光就变得越来越不重要，但还是要稍微注意一下，跟体态一样，要自然、要舒服、要像个正常人类，别太出格；
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1. 最后，也是最重要的一点，**人物和环境的协调度**。
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人物要为环境服务，环境也要为人物服务，这两样东西必须相依为命，可以是内在联系上的关系，可以是视觉均衡上的关系，可以是颜色协调上的关系，等等等等。我们来看一组对比图。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/0e/f1/0ea58227e9135b70002a6eaed74c1bf1.jpg" alt="" title="记忆中的“野望餐厅”">
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这是我前年去成都的时候给秦爷拍的照片，两张照片都看不见人物的面部表情，所以我们可以集中注意力关注一下人物跟环境的关系。
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第一张，乍一看都不知道人在哪儿呢，等找到人以后，我们也不知道他干嘛呢。在我们不知道他在干嘛的情况下，环境里的一切都跟他没有关系。而且我们可以看到窗外的树叶子，地上的墩布桶，窗台上的矿泉水，太乱了。类似墩布桶和矿泉水这样的东西，尽管在画面里的占比很小，几乎看不见，但拍照片的时候，我们是要对画面里的每一个元素负责的，如果有多余的无关元素，我们要选择想办法尽量不拍上它们。
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拿第二张跟第一张作对比意图很明显，不再多解释了，而且第二张还比第一张拍摄难度大，所以自然第二张会更好。
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下面，我们来看看真正好的环境人像长什么样。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/0b/28/0ba71503414abad20e18f03b13304428.jpg" alt="" title="Bruce Davidson">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/83/5f/839f121b44115dbe547925547375765f.jpg" alt="" title="Simon Annand">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/e0/98/e01d2cca817939c669868ef508da6098.png" alt="" title="Pete Souza">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/2f/fe/2f86aafdb002871d4b9384fe743302fe.jpg" alt="" title="René Burri">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/0d/34/0d3d61df2c7530b2dff3f73a6bbe2234.jpg" alt="" title="Patrick Zachmann">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/ca/64/ca178649703c456f68b9927d8d468764.jpg" alt="" title="Annie Leibovitz">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/73/d0/73e3947e47f68f152cd22d4f28ed09d0.jpg" alt="" title="David Alan Harvey">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/18/e2/185b6a9a2ce7adf19b16868c0d46c1e2.jpg" alt="" title="Gregory Crewdson">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/b0/b3/b0d1820edf78d0bd92ffe2a5cf4c19b3.jpg" alt="" title="Michael Wolf">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/f6/61/f629c003ab2cc1302920dd28c7a10161.jpg" alt="" title="何藩">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/5e/18/5e1f5edd40389dcfb9b22a3ed7142d18.jpg" alt="" title="Gueorgui Pinkhassov">
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不知道你有没有发现，这些照片之所以会给我们“好看”的感觉，除了人物的状态很对、环境与人物结合得非常紧密以外，最重要的就是重点突出，画面简洁。即便不简洁，摄影师也能保证画面里出现的每个元素都是有必要出现在那里的，这是拍好任何类型照片的基础。
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除此之外，上面的这些照片，几乎都不是单一人物。所以，在我们掌握了拍一个人的技巧之后，又该怎么调度更多的人，该怎么拍群像？
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“怎么拍人”这个话题其实还可以继续延展下去，我们以后找机会说吧。
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顺带提一嘴 Gregory Crewdson，他的所有照片都是“摆拍”而成。这个摆拍不单单指调度人物，而是他拍摄的整个场景都是请专业的电影团队来搭建的，完全使用人工照明。也就是说，你看到的画面里的每一个元素，都是人为置景放上去的，并不取材于现实，他的拍摄环境就是个电影片场……你可以想一想这么做究竟是为了什么。
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## <center>总结</center>
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拍人像和环境人像，大概率会是许可拍摄，这是这种题材跟街拍的最大区别。当然，街拍的时候也会拍到环境人像，但大概率跟我们今天提到的环境人像不是同一个拍摄思路。
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既然是许可拍摄，交流就是避免不了的。技术当然非常重要，但只要涉及到拍人，光技术好是不够的。这也是我觉得 AI 很难取代好摄影师的一个原因，一个人都很难读懂另一个人，或者说一个人都很可能读不懂自己，人工智能又怎么可能懂我们脸上或肢体上因为内心的一点点小波澜而荡漾起来的细微表情和小动作呢？
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我们夸一幅画好，经常会说它画得“传神”，这个“传神”也是人像摄影的精髓。人的神态和体态瞬息万变，能捕捉到这个瞬息万变，你就是合格的人像摄影师。与此同时，人像摄影也能举一反三，学会了拍人像，你也就学会了拍动物，拍任何有神态有体态的东西。为啥老法师拍的动物看上去都很土？因为它们不传神，因为摄影师还把动物当动物，没用观察人的方法去观察动物身上的瞬息万变。
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说到底，拍人的时候我们到底在拍什么？其实我们是在拍我们自己。我们看一张画面里有人的照片的时候又是在看什么？我们看的也是我们自己，它们能让我们发现心底最深处连我们自己都难以置信的莫名其妙。
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比如上面那张 Margo 拍的裸体男孩，那张照片其实就那样，但我很喜欢。如果拍的不是人，我就会非常理智地分析这张照片，我会说“审美虽然是主观的，但美是有客观标准的”，我会说“照片这东西，好就是好，蠢就是蠢”，但我经常会在人像类的照片上放弃理性，因为我是一个人，有很多东西是用道理解释不了的。比如说那个裸体男孩腹部侧面的那个小沟沟，就很吸引我，就是这么莫名其妙。
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当然，也正因为我们对“人”这个东西这么敏感，所以一张画面里有人的照片，如果拍得不好，我们的观感也会被放大，我们会觉得那张照片尤其的蠢。
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我喜欢离人很近拍照片，虽然离被摄对象远一点他会更放松，但我想侵入那个让人不舒服的领域，我想感受到我的被摄对象感受到的警觉。很多人都觉得只有被拍才会不舒服，但其实相机后面的我，如果不隔着那坨黑乎乎的大相机，如果不从取景器里看出去，我也不好意思直视被摄对象的眼睛。当我们都因为距离太近感觉不舒服的时候，我们才能露出我们最本能的一面，那种羞涩，那种不安，那种抗拒。
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其实人类从骨子里就是以自我为中心的，人类的群居是自然的选择，并不是我们多想群居，我们一开始群居就只是为了让自己活得容易一点，别被狮子老虎狗咬死了。这些东西让我知道，我们每个人可能注定都是孤独的。
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但知道了这些并不会让我觉得灰暗，相反的，每次我看到一个人和另一个人、或者一群人和另一群人打破了隔阂相融在一起的时候，每次我看到那些无缘无故的爱和奉献，每次我看到那些本可以袖手旁观但却倾心倾力的奔走……我都会觉得，这才是我们自诩为高级动物的底气。
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这就是“拍人”能给我带来的乐趣。
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## <center>课后小练习</center>
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想一想我们之前学过的所有技术和理念，综合运用，灵活运用，给你身边的人正经地拍一张肖像。然后看你心情，可以点击文末的图片，去部落发照片。
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我们下节课见。
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极客时间专栏/摄影入门课/实战篇/16 | 风光：你不想让别人看见什么？.md
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极客时间专栏/摄影入门课/实战篇/16 | 风光：你不想让别人看见什么？.md
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<audio id="audio" title="16 | 风光：你不想让别人看见什么？" controls="" preload="none"><source id="mp3" src="https://static001.geekbang.org/resource/audio/07/dc/07691f855dda91d872f149d6a62b97dc.mp3"></audio>
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你好，我是小麥。这节课我们讲一讲风光应该怎么拍。
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在这门课刚上线的时候，我收到了一条留言：
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“小麥老师好，我是一个退休老头，买了相机（佳能6Dⅱ/24-70/F4）一年了。我喜欢游山逛景，自认为审美观点很好，但是，自从拿了相机去拍摄，马上就不知道啥是美，在哪里拍照是美，知道了摄影与拍照不是一回事，汗颜啦啦啦啦！”
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首先我得说，承蒙抬举，但真的别叫我老师，叫我小麥就好。再来，咱们分析一下这条留言。
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首先，“自认为审美观点好，但是一拿起相机就不行了”，这是我们之前第五课说过的，机器视觉和人眼自然视觉不是一回事儿，所以这种情况才会出现；其次，“摄影和拍照不是一回事儿”，这是我们第十四课说过的，摄影是无中生有，而拍照是简单的所见即所得；再来，“退休老头”，这个很好，因为在身体还硬朗的前提下，终于有时间干点自己真正想干的事了，而想要学好摄影，一定要拿出时间去拍摄，尽可能地多练习，光看不拍是学不会摄影的；最后，回到唯一的一个技术点上，24-70 适合拍风光么？
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所以，我们先从焦段这个点开始说。
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很多人都对拍风光有误解，一想到大自然，大，广阔，所以就要上广角镜头，能拍着多少东西就拍多少东西。现在手机上基本都三摄了，一个标准镜头，一个所谓的长焦，还有一个广角镜头，各家手机厂商宣传广角镜头的时候都特别喜欢用风光照片当样张。拿 iPhone 11 Pro 举例，三摄，比之前的型号多了一颗广角镜头，Apple 官方给出的样张是这样的：
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/93/c9/934ec6c5bdc74c1e28f5d5d83678bfc9.png" alt="" title="iPhone 11 Pro 官方样张">
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这种样张看多了以后，很多人就更觉得只要拍风光就该用广角。但我可以负责任地说，基本只有一种风光适合用广角镜头拍，那就是本身巨好看的风光，好看到没边儿的那种，这个“没边儿”既是形容词，也是客观描述。因为大部分场景都是有边的，普遍不适合用大广角镜头拍摄。
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来，先看个例子。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/40/bd/40433b8a61773b8ed5dbb091fe629bbd.jpg" alt="">
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这是我去年在烟台莱州的一片小海滩上拍的，跟 iPhone 的样张一个路数，它那是大景小树，我这是大景小人，而且场景都没有边。
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我们再来看一张。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/7f/cc/7f2dbb410c20c04fa1ac2081b50538cc.jpg" alt="">
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我去年跟一个公司去巴厘岛，帮他们记录团建全程。漂流这天，因为我怕我的大法进水，所以拿着 Go Pro 上了皮划艇。Go Pro 的镜头的等效焦距是 15mm，绝对的广角，但在这个场景里，问题就来了。这就是一个有边的场景，用广角镜头导致了画面的混乱，而且最要命的问题是，受制于器材，面对这个场景，我无法利用我的拍摄技术做出哪怕一点点优化。周围的山和天上的大太阳，因为镜头太广，我无法把它们裁切到画面之外；我这艘皮划艇跟我拍的那艘皮划艇之间的距离我也无法控制，这就导致我无法主观构图。
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当我们拍风光这个题材的时候，经常是控制不了距离的，又因为距离都比较远，所以你往前走几步、往后退几步、往左右挪几步，画面基本不会有什么变化。如果用广角镜头，你的视角就更会被固定在一个地方，最后你也就只能拍出一张“拍到了而已”的照片，这个说法我们在第十课的时候提到过。
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所以说，如果场景本身不好看，杂乱，我们拿着广角镜头就只能急得干瞪眼，无法合理利用镜头的视角把与画面重点无关的内容给裁切出去，无法控制场景，但拍风光最重要的恰恰就是要控制场景。
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镜头越广，你越难收窄视角，越难控制画面，而如果你不能控制画面，也就意味着其实任何一个人站在你那个位置，都能拍出跟你一模一样的照片。为了说明这个问题，我们来看一组对比图：
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/4d/0d/4d5b486588826ed0b5ec63503270d00d.jpg" alt="">
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这三张都是我从网上找的美国优胜美地国家公园的风光照片。第一张与第二张是相同的视角，相同的镜头焦段，但完全不同的距离；第二张与第三张是相同的距离，不同的焦段，完全不同的视角。仔细看，第一、二张其实都不难看，只是如果你 Google 一下“Yosemite”这个关键词，你会发现全都是这两个景别和构图的照片，用广角镜头对付这类网红景点，就意味着你拍不出来跟别人不一样的东西。与此同时，因为镜头太广，画面观感也略显凌乱，尤其是第一张。相反，第三张照片，摄影师用的是中长焦镜头，他把画面的重点放在了左侧肌理丰富的山上，视角窄了，但山峰反而更加巍峨。我们甚至可以说，因为使用中长焦镜头，所以拉近了人和山之间的“距离”。
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所以，对于摄影爱好者来说，使用中长焦镜头更容易拍到跟别人拍的不一样的风光。虽然中长焦镜头视角窄，但这恰恰意味着我们的选择余地变大了，我们不需要那种没有瑕疵的景色了，因为我们可以**对画面做出取舍**了。这也就回到了这节课的标题：**拍风光其实不是你想让别人看见什么，而是你不想让别人看见什么**。
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关于焦段，最后再说一句，拍风光，有些时候确实需要用广角镜头，甚至是超广角镜头或鱼眼镜头，比如拍银河或星轨。但归根结底还是那句话，你要清楚你自己想表现什么，清楚你的镜头视角跟自然视角的差异是什么，这样你才能合理地选择拍摄器材。再看两张例图这个话题就过去了，一张是超广角镜头拍银河，一张是鱼眼镜头拍星轨。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/7f/bc/7f45e8e067e19363ca74b78ef274e7bc.jpg" alt="" title="Michael Shainblum">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/81/e1/81528cadd14cafd5d45651759c2c73e1.jpg" alt="" title="Peter Baumgarten">
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说完了焦段，我们再来看看取景，也就是退休老哥说到的“不知道啥是美”和“不知道在哪里拍照是美”。
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关于取景，我们可以先想想，是什么东西让我们这么想拍一下？可能是颜色，比如森林的绿、晴空的蓝、夕阳的金黄；也可能是肌理和质感，礁石的坑坑洼洼、山峰的沟沟壑壑、草地的毛毛绒绒；更可能是某种情绪化的感觉，敞亮、震撼、孤独、渺小。而**取景的核心，就是放大这些吸引我们的元素，同时，屏蔽掉不必要的元素**，归根结底就是俩字儿：**简洁**。所以，看见一个什么景儿，先别急着拍，先**搞清楚你眼前的这个风景是因为什么打动了你，然后靠拍摄技术放大这个原因**。如果你看见一个场景，你想拍，但是你甚至都不知道该关注的重点是什么，那我建议你连相机都别掏，先静下心来多看一会儿再说。不拍这张照片死不了人，咱拍就好好儿拍，拍好的。
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我们说过，拍静物的时候，要学会人为干预画面，“摆”比“拍”重要；拍人物的时候，要学会人为调动情绪，“聊”比“拍”重要；同样，拍风光的时候，你要**学会寻找机位，学会安排画面，所以“你站在哪儿”比“你怎么拍”更重要**。
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其实摄影中基本所有题材都对机位有要求，像我们之前讲过的静物和人物，我们要调整角度，调整距离，还有我们之后要讲到的街拍，走位是一门很大的学问，会走位也是想拍出好照片的必备技能……而这些机位都是我们或多或少能控制的，主要是，这些机位，我们或多或少控制一下，就会让画面的观感产生明显的不同。但唯独拍风光，这种比任何题材都依赖机位的题材，我们能控制的东西反而不多。我们之前也说过了，你站在一个地方拍大江大河，你往前走几步、往后退几步、往左右挪几步，画面基本不会有什么变化。所以，这就要求摄影师在拍摄风光之前要有目的地去寻找合适的机位。关于这件事，我的朋友小 K 专门写过一篇文章分享他的机位选择指南，他是一个风光摄影师。看完这篇文章以后你就会知道，机位选择不光是选择一个机位的问题。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/a4/24/a4701cf6e1df9738fe1fe827b6a1d124.jpeg" alt="">
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《风光摄影机位指南》：[https://mp.weixin.qq.com/s/Wd4LU1EIYmPNtU6-cOd94w](https://mp.weixin.qq.com/s/Wd4LU1EIYmPNtU6-cOd94w)
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简单概括文章内容：想拍风光，要先用地图软件勘察地形；然后搜索徒步路线；把搜到的路线用地形模拟导航一遍，初步定位有潜力的机位，在导航里进行标注；接着，要利用其他软件的功能，结合天文学和气象预报，预判机位处的流星现象、银河方位、天气变化等……具体内容就不展开说了，文章里介绍了好几款软件和它们的具体用法。总而言之，我想强调的是，**拍摄风光一定要有提前规划 + 预判场景的能力**，这就要求**我们脑子里要有一个大概的景观概念，要求我们必须非常清楚自己想拍什么，也同时要清楚自己的相机能拍什么。**
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所以，看到了么，在拍风光这件事儿里，就“拍”这个动作最不重要了。
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至于怎么发现美，风光摄影也跟我们之前讲过的其他题材没有任何区别，首先就是靠模仿。如果真的就是没有大江大河，那就先拍最俗的景儿，被无数人拍过的景儿，被一些优秀的风光摄影师验证过是能拍出好照片的景儿。去那个地方，站在那个机位上，甚至用同样的设备，靠无数次的试验想办法摸清参数设置，原模原样地模仿一张在这个地方拍出的顶级照片。这样一来，一是你由于一次次的亲手操作熟练了技术，二是你会因为拍到了好照片而很有成就感。如果你恰巧赶上了什么罕见气象，兴许你能比大师拍的那张还出彩。因为毕竟拍风光这件事特别的靠天吃饭。然后，为了提升审美，也是跟所有其他题材一样，那就是多看这个题材的好照片，这是每个领域的摄影师的共识。在一次次的模仿和一次次的创作之后，你才终于有可能把每张照片都拍出你自己的风格。
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不过话说回来，虽然拍风光靠天吃饭，但如果既没有大江大河，又没有你想要的晴空万里或雾气蒸腾，你去了一个地方，该拍还是得拍啊。这时候，技术和视角就变得很重要了，这需要你对技术熟练，以不变应万变，同时，还需要你在看起来没什么景儿的地方发现美。附几张 Lufus 在不同天气下，使用不同相机、不同焦段的镜头拍摄的不同风光，希望能给你一些启发。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/04/85/042effdaf68fd768e8ad369e094c5c85.jpg" alt="" title="90mm 焦段拍摄，雨天">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/f8/4f/f8b7e3c7a3a8e5473035b307b03b8d4f.jpg" alt="" title="90mm 焦段拍摄，阴天">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/69/3d/6943bca33c14fafdfac38272c8c02d3d.jpg" alt="" title="28mm 焦段拍摄，晴天">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/5d/f1/5ddd38dbb45ec9fd582352283ab9b3f1.jpg" alt="" title="28mm 焦段拍摄，多云">
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关于技术，最后只再讲一个点，很能让你的照片和别人的照片不一样，那就是：接片。
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我刚才讲过，我们可以尝试多用中长焦去拍风光，但如果你出行的时候为了省事儿，只带了一支中长焦镜头，没有带广角镜头，结果遇见了那种真的特别广阔、特别壮观的景色，你手上的镜头视角太窄，画面收不全，在这种情况下你又该怎么办呢？
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不知道你还记不记得我们在第四课讲镜头焦段的时候，我贴过一张我老师在新西兰拍的灯塔，我说她那是用长焦竖构图的方式拍摄多张，然后合成出来的。
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这个手法类似于手机上的全景图模式。想想看，手机上的全景模式是怎么操作的：竖着拿手机，按一下快门，从左边你想拍的地方开始，扫到右边你想结束的地方为止，再按一下快门，然后手机自动给你合成出来一张长图。这个手法在相机上也能实现，只是操作起来不像手机上那么的“傻瓜化”。
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我们看一张例图：
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/8d/37/8d13c8a29c08632d42a14db7c18a0f37.jpg" alt="">
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这是我在贵阳花果园的一栋高楼上拍的，看起来像是用广角镜头拍了一张宽幅照片，但其实这是用 70mm 焦段的镜头竖构图拍摄 6 张后拼出来的。所以，这张照片的原形其实是这样的：
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/88/db/88b54a9c3977992b09f546904b0ee0db.jpg" alt="">
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光源是这些楼左边的一个大广告灯箱，这个灯箱会渐变各种颜色。如果我直接拍一张整的，那无论我选哪个时机拍，这些楼的颜色都会很单调，但如果随着灯箱变颜色，我从左边开始拍，颜色每改变一点我就拍一张，这样一直拍到最右边，我就拍到了一片彩色的楼。
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至于最后合成也没什么难的，Photoshop 里有一个功能叫“Photomerge” (「文件」→「自动」「Photomerge」)，Lightroom 里有一个功能叫“全景图” (全选照片→右键→「照片合并」→「全景图」)，基本上是一键搞定。里面其实还有一些小小的选项，你可以自己试一试，不难，试着合成两三次你就明白那些小选项都是干嘛的了。
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拼接照片有几点需要注意：
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- 前后两张照片的画面重合区域要尽量大于 30%，重合区域越大，拼接的时候越不容易出错；
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- 白平衡不要设置为“自动白平衡”，因为像我这张，如果白平衡自动的话，每一张的颜色都会被相机自动校正，最后就花了，拼接的时候就很容易出错，很容易出现色阶断裂的情况；
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- 不光白平衡不能自动，整个相机都得是“手动模式”，跟白平衡的道理是一样的，我们需要保持这几张照片的一致性，无论是明暗还是颜色，都要做到尽量没有差别；
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- 画面中的主体，尤其是点状或线状主体，不要被正好截在画面边缘，比如我这张照片中的那个塔，尤其是塔上的那根避雷针，在第二、三张照片中，它们都是完整的，这样可以防止软件在拼接的时候，万一出现小瑕疵，之后你无法处理。
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更详细的技法，我老师前段时间发了一条微博，特别感兴趣的话可以看一眼：<br>
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/cd/80/cdbf93d93d27e042b1b517b238d75280.jpeg" alt="">
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我拍这张照片花了大概一个小时的时间，坐在楼顶的墙沿上，去过贵阳的朋友应该知道花果园那片区域的楼都有多高，我这是冒死一拍。为什么拍了一个多小时？因为首先我得小心别掉下去，那个墙沿很窄的。另外，主要是我老配合不好那个灯箱，一遍又一遍地试，中间只要一犯笨就要重新来，重新等它从红色开始变色。而且其实现场光线非常暗，为了楼群完全清晰，我用了 F9 的小光圈，ISO 也不能太高，所以我只能把快门速度调成 2.5″，很慢，楼顶上的风又超级大，呼呼的，吹得我都坐不稳，也端不稳相机，非常难搞。
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但这么费劲拍到这么一张照片值不值？我觉得还行。首先，甭管这张照片有没有那么好，但至少很难复制，我确定别人坐在那个墙沿上拍不到这张照片，我甚至觉得自己再坐一次也不一定能拍出来了。其次，因为用的是长焦镜头，所以虽然是宽幅照片，但像场很平，这是不同于自然视觉的效果。最后，如果我单纯用广角镜头拍这么一张照片，然后给它裁成宽幅，那这张照片大概只有 2000 多万像素，但现在，因为每张竖着的照片都是 4240 万像素，所以这张合成后的照片像素上亿，可以放大到巨幅尺寸。如果放大仔细看，甚至能看到那些窗户里，人家在看什么电视节目。
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风光摄影的技术太多了，每一种不同的被摄主体都有相应的拍摄技法，月亮有月亮的拍法，星星有星星的拍法，山有山的拍法，海有海的拍法，单靠这节课是不可能穷尽的。与此同时，风光摄影也严重依赖后期，各种合成，各种堆栈，各种调色……可以说，风光摄影的后期经常是一项巨大工程，如果你真的致力于拍好风光，扎实的后期技术也是必不可少的。所以，这节课我只能说说风光摄影的核心逻辑，最终还是要靠你自己上手，在实战中学习。
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## <center>总结</center>
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风光摄影，不管是寻找机位、选择器材、前期取景、后期修图，都是为了一个目的，那就是：让一张照片看起来像一幅画。
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画的特点是什么？是完整性，是不多不少。画家在画一幅画之前，得把画里要呈现的一切都设计好了，不会平白无故地在某个地方画出某个东西。我们上节课也说过了，我们要对取景器里的一切负责，画框的作用就是可以把所有不想让别人看见的东西都隔出去。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/20/f2/200ce2b32df7566da9c1cb4bbc3ea5f2.jpg" alt="" title="Pieter Bruegel the Elder">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/2a/fb/2a98cb71fa1a8c685fc4b4d0b224effb.jpg" alt="" title="Edward Hopper">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/4a/eb/4ae1f3f6ae99fba7141e1623667629eb.jpg" alt="" title="Jacob van Ruisdael">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/df/51/df725c3450ebdf159473ce342597a051.jpg" alt="" title="John Constable">
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在拍风光照片之前，可以多看一看同类型的好照片，也可以多看一看大师级的美术作品，这样我们在面对不同风光的时候，在所处不同机位的时候，脑子里都能有个画面的印象，这个很重要。
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另外，我们还要在平常练习技术：比如就在家门口，试着追一下月亮的行进轨迹；比如在公司，从窗口拍出去，从左到右拍几张，试一试接片；比如周末去市郊登山的时候拍一拍大山，去海边团建的时候拍一拍大海，然后试一试后期调色，不管是用手机还是用电脑端专业的调色软件，怎么能把照片的颜色调得特别体面，不让画面发腻发土……这都是日常要练习的技术，因为只有把这些技术烂熟于心，在我们遇到真正值得一拍的景色的时候，我们才有能力有条不紊地把它拍下来。
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最后的最后，还是要再强调一遍拍好照片的核心：**简洁**。课程进行至此，我希望你的拍摄思路不要再像初学者一样，看见什么都想拍进去，而是要学会对画面进行取舍，学会有的放矢。还是那句话：**不是你想让别人看见什么，而是你不想让别人看见什么。**
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虽然风光是一个拼技术的活儿，但它也是一个拼命的活儿，需要上苍眷顾。我最后思考了一下为什么我不喜欢拍风光，因为拍风光需要心态特别好，需要认命……虽然“认命”在这儿是个中性词，不褒不贬，但我还是特别不愿意认命。
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## <center>课后小练习</center>
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模仿这节课给出的几张单一主体的例图，拍摄一张类似的照片，可以是“人小景大”，可以是“树小景大”，同时要保证画面简洁，不出现任何多余杂物，感受一下找机位这事儿有多难。
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如果再有能力，可以尝试用接片的方式拍一张长图，在实际拍摄和合成的过程中，看看都有哪些技术难点。
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我们下节课见。
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极客时间专栏/摄影入门课/实战篇/17 | 街拍：艺术这场“大骗局”.md
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极客时间专栏/摄影入门课/实战篇/17 | 街拍：艺术这场“大骗局”.md
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<audio id="audio" title="17 | 街拍：艺术这场“大骗局”" controls="" preload="none"><source id="mp3" src="https://static001.geekbang.org/resource/audio/c9/fb/c988495f9c84a33c830eb076cfef70fb.mp3"></audio>
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你好，我是小麥。
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这节课是我们实战部分有关“拍”的最后一节课了，我来讲一讲广大市民都喜闻乐见的**街拍 (Street Photography)**。
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街拍是摄影里最常见的题材，主要因为它就是我们的日常生活，抬手就能拍，没有任何拍摄成本。但恰恰因为街拍太常见了，我们甚至可以说所有在室外拍的照片本质上都是“街拍”，就是上街拍照片嘛，一方面它门槛低，一方面它又是其他摄影类型都绕不开的基本功，所以好的街拍才显得难能可贵。所以这节课，我想聊一聊什么才是好的街拍，介绍街拍的原理，分解街拍的套路，把街拍的拍摄逻辑代入到其他题材上，争取让你一通百通。
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废话不多说，我们先来看张照片：
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/ef/f3/ef1313d93e7a4e6f06e7d6d05dc9a8f3.jpg" alt="">
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这张照片是我 13 年前拍的。我记得特别清楚，在北京动物园门口，夜里两点多，我看见这个老太太坐在售票处的台阶上吃东西，地上摊着一堆塑料袋，装的都是她从各种地方淘来的吃的。当时我用的是 Nikon D300、18-200 的头，等效焦距相当于 27-300。拍她的时候，我把镜头拧到最远端，也就是 300mm 端，远远地狙着这老太太。当时我手也不稳，焦距又那么长，所以我在取景里看到的画面晃晃悠悠糊成一片，根本就不知道瞄准了没有，更不清楚应该什么时候下快门。但突然，在一片模模糊糊当中，我发现这老太太看见我了，直勾勾地盯着我，把我给吓得，瞬间按了快门，紧接着就跑了。我记得我当时吓得甚至在取景器里都想躲避她的眼神，避免跟她对视。那年我十七岁。
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今年我三十了。整整十三年过去，再看到这张照片，我很想问自己两个问题：我当时为什么要拍她？她到底哪里吸引我了？这两个问题再深入一点就是：**我们街拍，到底是为了拍什么？**
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我相信大部分人在决定街拍之前都是因为觉得身边没什么别的东西可拍了，于是上网搜了一圈儿，发现那些传世经典的照片大都是街拍，就想着要模仿模仿。有的“高手”可能一开始信息来源就比较优质，直接看到的就是布列松 (Henri Cartier-Bresson)、寇德卡 (Josef Koudelka)、艾略特 (Elliott Erwitt)、马丁·帕尔 (Martin Parr)、威廉·克莱因 (William Klein)、盖瑞·温诺格兰德 (Garry Winogrand)、森山大道 (Daido Moriyama)、长野重一 (Shigeichi Nagano)、须田一政 (Issei Suda)这类老派摄影师。下面配了很多图，说这么多名字也是为了让你可以去查一查。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/39/6c/3944836d4f2e8c191fee097764f1246c.jpg" alt="" title="Henry Cartier-Bresson[br]小知识：[br]以前的老派摄影师在用暗房放大照片时都会保留黑框[br]以证明照片是没被裁剪过的原片。">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/fe/56/fe1ccd314e852e1268aacfcf986ec456.jpg" alt="" title=" Josef Koudelka">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/6a/dd/6a861e24944d6f9ea6cfcc85702229dd.jpg" alt="" title="Elliott Erwitt">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/27/88/27c43ef114ba99277dc29b281689f788.jpg" alt="" title="Martin Parr">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/a1/5d/a10f989d4cf7308aee9cea25a379625d.jpeg" alt="" title="Alfred Eisenstaedt">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/49/f3/49156041fb08043ea7389f1ce12309f3.jpg" alt="" title="Garry Winogrand">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/a5/de/a58c4c8d67022af28080951c891406de.jpg" alt="" title="William Klein">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/95/ba/955eed8e94ed69898ba918ce90a944ba.jpeg" alt="" title="森山大道">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/cb/da/cb4dfaa293214b093a801596b2e402da.jpg" alt="" title="长野重一">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/76/04/762c5a2b8951de441323abc5b7be6504.jpg" alt="" title="须田一政">
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还有一些人可能关注的信息来源比较多样，一提街拍想到的就是这样：
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/ac/7b/ac51a37d05c663eb37b015dfa4619f7b.jpg" alt="">
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咱们今天主要探讨的是第一种，第二种确实超出了我的个人能力范围，就不在这儿露怯了。
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回到刚才那个问题，我们为什么要街拍？单从摄影角度上讲，无外乎两个原因：
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题材吸引了你；
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视觉刺激了你。
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**题材吸引了你**。这个不用我多说，街拍的一大属性就是记录。因为题材而拍照片的人，通常是想用照片讲故事，更喜欢强调内容，放大事件，照片只是辅助观众了解故事的工具。常见的类型比如前几年很火的“Humans of New York”，一张照片可以配上千字的文案，照片本身拍得好坏并不重要，能看就行。但这不代表这种形式本身就是错的，只能说是因为受众不同而采取的不同策略。当然，也有那种好大喜功的人想用照片记录时代，于是，他们就把目光投向了当街乞讨，或者是无家可归的人，拍的照片看上去满满的“历史感”，沉痛又厚重，深刻又清醒，缺不了那一抹温润敦厚的人文关怀，赚回一些同情就觉得是个成功。
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我相信，只要一个人街拍过，他就一定拍过流浪汉和乞讨的人——小麥第一猜想。
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这也能解释为什么很多看上去莫名其妙的照片能拿各种摄影奖，因为它选题特别刁钻。很多国内的职业摄影师需要依靠选题刁钻来掩盖基本功的不足，本质还是猎奇，对待他们呢，我们不用客气。
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**视觉刺激了你。<strong>这个其实也很好理解，就是看到好玩有意思的画面以后想把它们给拍下来。虽然容易理解，但操作难度其实并不小，因为**画面就是事件本身，拍得不好看说啥都没用</strong>。经常出现的情况是，很多你当时觉得好看、好玩的场景，在被真正拍成照片以后反而不好看，“明明我看见了，可是怎么就没拍出来呢”，一般都是在看回放的时候特别痛心疾首。而你在构图上的小巧思，想强调的视觉内容，也不能被看你照片的人 get 到，说白了就是看你照片的人根本看不见你想让他们看见的东西。造成这个问题的原因很简单，就是我们前几节课一直在说的“机器视觉和人眼的自然视觉完全不同，你要习惯用机器视觉来思考画面”。
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什么叫用机器视觉来思考画面？就是**眼睛里有取景框线**，知道不同焦段的镜头会截取眼前看到的画面的多少内容。**有框线意识就意味着你有了距离意识**，你知道自己往前走几步能把哪些内容隔出画框，往后退几步能把哪些内容拢进画面。**有了距离意识，你自然就会有画面意识**，你会观察眼前的画面，你能清楚地看见**前景、中景、背景**分别都有什么，然后再自觉不自觉地对背景、中景、前景的元素进行安排。
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很多人街拍的时候心里都有一个坎儿过不去，那就是害怕离被摄对象太近，所以喜欢用长焦镜头，远远地狙别人。镜头越长，别人就越发现不了自己，别人越发现不了自己，自己就感觉越安全。这其实说明相机背后的人的心理素质完全不行，不敢正视被摄对象，不敢与人产生交流。你既然害怕跟人交流，那你还老拍人干嘛？
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如果你仔细研究过大师们拍的照片，你就会发现他们几乎没有用长焦镜头离得贼老远拍的照片，基本都是用**小广角(28mm/35mm)抵近快拍**而成。如果用标准镜头 (50mm/70mm)，大概会离被摄对象三到五米，而如果换用小广角镜头，大概仅会离被摄对象一米左右。这种情况可能光是想一想，就能把好多人吓死，**但恰恰就是这个近距离，决定了你和一张好照片的距离近不近**。
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我们为什么要离这么近？因为用广角镜头，**只要你离得不够近，画面就必然会乱**，这是所有刚开始使用广角镜头的人都会犯的错误。广角镜头由于本身能容纳的画面内容多，所以只要稍微离被摄主体远一点，就会连带拍到好多与画面无关的杂物。所以，抵近拍摄的逻辑还是通过调整距离来简化画面。**没有能力精简画面是初学者的一个特征**。
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再仔细思考你就会明白，无论是取景框线、距离感，还是画面意识，它们的作用都是让我们来精简画面的。所以换个角度想，我们之前说过要搞清楚自己想要什么，但其实很多时候我们**要先搞清楚自己不想拍到什么，有哪些东西不该出现在画面里**。还记得我们讲风光的时候的那句话么，“拍照片不是你想让别人看见什么，而是你不想让别人看见什么”。这句话，在这儿也同样适用。这就跟我们平常的生活一样，“我到底想要什么”这个问题确实挺让人头大的，因为选择太多了，所以在不知道自己想要什么的时候，不如反过来搞搞清楚自己不想要什么，把不想要的都排除掉，想要的东西很可能就会出现。
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说回街拍，那有人可能会问了，既然是为了拍到更少的杂物、为了简化画面，那用中长焦或长焦镜头不是更好么，它们本身视角不是就很窄么？这就又回到了我们第四节课讲过的镜头焦段。因为长焦镜头会压缩画面、压缩空间感，所以它就不能像小广角镜头一样，给我们带来那种临场感，用它拍出来的画面，效果也没有小广角镜头能拍出来的那种视觉冲击力。所以**抵近拍摄，是我们必须要克服的一个心理障碍，没有捷径**。
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除此之外，用**小广角抵近拍摄还有一个好处，就是和被摄主体的强互动，你的出现会直接“刺激”到被摄对象**。他的情绪会因为你的出现而转变，这是长焦镜头做不到的。当然，也有人追求不打扰、不干预。针对这一点，我想补充的是，小广角抵近拍摄不代表就会打扰到被摄对象。如果你熟练掌握景深陷阱，按快门之前已经对画面有了起码的构思，对场景有了一定的预判，然后想办法让自己融入环境，在被摄对象周围观察，等待时机，那么你在最终那一下抵近拍摄的时候，一样可以做到非常隐蔽。而如果你的速度足够快，甚至会做到趁对方还没反应过来呢，你就已经拍完了。
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上面提到的这些拍摄技巧都需要我们经过长时间高强度的练习才能掌握。
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那针对街拍里被摄对象是人的照片我就不再多说了，接下来，咱们看看“没人的”。我把“没人的”照片分成以下三种：
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1. **错位巧合+多元素呼应**；
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1. **拍特殊光影或颜色效果，以几何形状来组成画面**；
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1. **直给，“所见即所得”，拍摄细节局部来组成画面**。
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**首先来看第一种：错位巧合+多元素呼应。这大概是街拍的最主要类型。**
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错位，基本就是通过找到完全不相干的俩东西，把它们硬放在同一个画面里，让它们之间产生巧合的联系，像我们上面贴过的 Elliott Erwitt 拍的那张斗牛犬。多元素呼应也是一样的道理，但区别是要寻找相似的东西制造画面。
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注意，我说的是“制造画面”，而不是“拍摄画面”，因为拍摄错位巧合需要的是对场景预判和规划的能力，很多时候都要先寻找背景（背景要足够干净、不杂乱，先找背景再安排主体是职业摄影师跟业余爱好者间最大的区别），寻找可以被利用的元素，然后在这个元素附近蹲守，静候时机。拍这类照片最重要的就是要有耐心、要有毅力，等的时间足够长、拍的数量足够多，就大概率能拍得到。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/bc/d0/bcf49bebeede9098e797fde917fc59d0.jpeg" alt="" title="刘涛">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/e4/2b/e4d8b2f342582bbd68160d4773aed82b.jpg" alt="" title="Kristian Leven">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/98/54/9885c5a881dbe1052380e8c6ec3ed154.jpg" alt="" title="Matt Stuart">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/24/84/24ba4fa978c6b50a769c8c9ea311eb84.jpg" alt="" title="Chris Harrison">
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**第二种，拍特殊光影或颜色效果，以几何形状来分割画面。**
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这其实也非常简单，就是尽量选择大片完整、简洁、明暗分明、色彩对比强烈的拍摄场景，光线通常都是指向性很强的硬光，或者是镜面反射、模糊效果等，利用大量阴影和大量色块组成画面，底层逻辑还是为了保证画面简洁。比如 Alex Webb，再比如下面这些照片：
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/5f/2c/5fdc1d87471a39938603a11fa060a32c.jpg" alt="" title="Tawanwad Wanavit">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/b5/19/b564abb8c4f32299683569509a864119.jpg" alt="" title="Alexander Sharr">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/da/f7/daa5f565d02521a96dea941123d33af7.jpg" alt="" title="Bojan Nikolic">
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**第三种，也是最难拍的一种，“所见即所得”，直给型的照片。**
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这类照片拍不好的话就很容易变成可以批量复制的新锐照片，但拍好了就会是街拍里最难模仿的一种，因为它的个人痕迹最强，传递的内容和画面观感最直接，情绪最刺激。同样都是每天在我们眼前晃来晃去的东西，别人没看见，但你看见了，而且还拍到了；或者即便别人看见了，他也没觉得那东西值得被拍成照片——这就是这种拍法最好玩的地方。
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我们看前两种类型的街拍照片，如果忽略掉色调因素，就跟一个人拍的似的，这也是街拍拍到最后最大的问题——本质上就是一种视觉套路，而“所见即所得”恰恰打破了这个套路。使用这种方法拍摄，最后必然会再次回到那两个终极问题：我拍这玩意儿到底是为了干嘛？这玩意儿怎么我了？这就要求摄影师必须能够自洽，找到视觉与内容之间的平衡，能清楚地透过照片传达拍摄意图、传递个人情绪。这也是整天穿梭于街头巷尾的摄影家们最终赖以生存的本事，比如 Bruce Gilden，比如 Martin Parr，比如须田一政，再比如我们曾经提到和没提到过的东松照明、土门拳、荒木经惟、石内都，等等等等。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/b4/e9/b48bbe6c7140481f6871fab7c2c48de9.jpg" alt="" title="Bruce Gilden">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/e0/f4/e0aa50bace3b1690e7e80b5feb535ff4.jpeg" alt="" title="Martin Parr">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/a4/91/a43bb7c1130bc6e3c58163f4ca4b8491.jpg" alt="" title="须田一政">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/a5/87/a5b4b08c6244167f9cc5cda3bc254287.jpg" alt="" title="土门拳">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/95/b4/9502e740ba79cbbdd49cf4b61a92d9b4.jpg" alt="" title="东松照明">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/f9/6f/f99b116e1e14fdf1c780b5efe2a2246f.png" alt="" title="石内都">
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我上面贴的这些第三种拍法的照片，并不是狭义上的“街拍”，我是想借由这些照片让你看到摄影的更多可能性。这不是一朝一夕就能练成的，这种“可能性”需要摄影师在彻底掌握技术的同时，培养出只属于自己的观察视角和拍摄方式。只有在经过长年累月的持续拍摄和生活积累之后，才能最终把照片变成承载感情、传递观念的工具，而不再是重复来重复去的视觉套路。
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按理说讲到现在应该开始讲构图了，因为如果我们解决了前面说过的所有问题，那我们离绝世照片好像就差这一步了。但我在第十五课的时候就说过，构图没法儿讲，原因就在于构图其实并没有定式。
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这套课快临近尾声了，回想我在课里贴过的所有好照片，每张都好得千奇百怪。我承认，你在别的地方可以学习到什么对称、框景、留白、三分法、对角线、引导线这些“实用”的构图小技巧，看各路神人在一张照片上各种画黄金分割线来剖析画面。但学完一圈，你会发现，你大概率还是拍不出好照片，因为拍摄原理和拍摄逻辑的重点根本不在这儿。
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除此之外，我们离拍出绝世照片差的那一步还包含着能不能识别好照片。想要获得这个能力，需要你大量地阅片，看多了你才能知道哪些是好，哪些是蠢。你要知道，如果好，好在哪儿，如果蠢，蠢在哪儿……之后你才会反思，才会改正，才会练习，才会提高。
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曾经有个人问过我老师一个问题：“在什么样的情况下我可以判断摄影的基本功我都掌握扎实了？”我老师给出了 10 条标准，其中有半条是“至少熟悉不少于五十位著名摄影师的作品和生平，了解他们的技术特点和创作理念”。这半条标准说的就是阅片量的问题，我们需要在脑子里装满各种经典画面，比如一看见阳光灿烂就想到 Alex Webb，一拿起闪光灯就想到 Bruce Gilden，一给孩子洗澡就想到 Christopher Anderson，一听到 hip-hop 就想到 David Alan Harvey。
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等阅片这关过了，建立起自己的视觉基础了，你还要对拍照片这件事始终保持热情，要有在平淡生活中持续拍摄的毅力，要有在气氛紧张的情况下举起相机的勇气。
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最后说句心里话吧，这世上好照片太多了，不缺你我那两张。我们其实也根本不需要拍到什么好照片。忘记“好”，忘记“艺术”，忘记“历史感”，别让自己变成它们的奴隶，这也是我给这节课起这个标题的原因。
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但当然了，如果你把照片发出来是希望别人能喜欢，或者是你想拿照片挣钱，那就还是要考量一下基本的社会影响和广大市民的接受程度。
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## <center>总结</center>
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静物、人物、风光、街拍，我们都讲完了，就像最开始我说的一样，这四节课不是“摄影大师速成真经”，也不是“高频技巧十天突破”，相反，我讲了很多跟“拍照片”本身关系不大的事儿。
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记得前段时间收到一条留言，留言的人说喜欢“枯燥”的知识点，看到示意图和计算公式就来劲，他还说老看一些怎么拍出好照片的经验之谈总觉得很虚。我给他的回复是：“等基础知识学完以后，就都是虚的了……基础知识很重要，之后那些虚的也很重要。”
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现在我们知道了静物不是静物，它们需要我们动它们；我们知道了在拍人的时候，会聊天比会拍照片更重要；我们知道了拍风光不是你想让别人看见什么，而是你不想让别人看见什么；我们知道了我们为什么要街拍，知道了什么才是好的街拍，该拍上的一点儿都不漏，不该拍上的一点儿都不沾，这就是我能教的构图技巧。
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结合之前的基础知识，加上理念上的不断进步，再加上大量的阅片和持续的拍摄，最终我们才能搞懂应该怎么拍照片，搞懂什么叫摄影……在这整个过程中，没有谁能跨越时间的鸿沟，也没有什么捷径可以走。
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用我老师的一段话结束这节课吧：
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“先用一年拍上两三万张照片，你的收获会比找任何摄影老师都大。所有想找老师从零开始学习的朋友，其实都有走捷径的心，不怕花钱，能省事、能少走弯路就行。但就是这个企图心，害得大部分摄影爱好者，永远在原地踏步。”
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我们下节课见。
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极客时间专栏/摄影入门课/实战篇/18 | 基础手机后期（上）：VSCO 完整指南（@随你们去）.md
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极客时间专栏/摄影入门课/实战篇/18 | 基础手机后期（上）：VSCO 完整指南（@随你们去）.md
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你好，我是小麥，这两节课我们要学习一下怎么用手机修照片。
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因为大势所趋，大多数人用手机拍照片的频率显然高于用相机拍照片，那自然对手机后期的需求就会变得很强烈。但鉴于手机不是我的主战场，所以我找来了去哥，年轻有为的手机摄影大神，来讲两节有关手机后期的内容。第一节课，先是 VSCO 这个软件，第二节课是 Snapseed，如果你手机里还没有这俩软件，你就先下载一下，然后再听课。
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好，欢迎去哥！
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你好，我是@随你们去。今天由我来代课说说 VSCO 这个软件怎么用。
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从我开始用 iPhone 拍照起，VSCO 就一直伴随着我，至今已五年有余。由于独一无二的滤镜，良好交互体验的调整工具，加上多年以来稳定可靠的品质，使VSCO有着非常高的人气和非常好的口碑。如果你希望利用手机产出好照片，那么 VSCO 是一个很好的选择。
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这节课不仅是 VSCO 的完整使用指南，同时也是一节较为完整的后期入门教程，只要你对手机摄影感兴趣，那么这节课就很可能对你有帮助。
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**注：**
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1. 本课基于 VSCO v102.1 (10229) for iOS 版本撰写；
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1. 社区功能在不同网络环境下有所区别，本课主要以常规网络环境为例；
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1. 为了便于理解，课中的“滤镜”即指 VSCO 里的预设。
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## <center>基础准备：认识 VSCO</center>
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VSCO 是一款在 iOS 以及 Android 端均可下载的应用程序，你可以免费使用其中的大部分功能和少许滤镜，如果想享用全部滤镜以及功能，则需要订阅会员。
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在特定网络环境下，VSCO 底部会有 5 个栏目，从左到右分别是：**动态**、**探索**、**工作室**、**个人主页**和**商店**。
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其中，**动态**、**探索**以及**个人主页**均是图片社区的功能，但是在常规网络环境下，我们的 VSCO 底部仅有**动态**、**工作室**和**商店**这三个页面。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/58/d7/58ee3347a83e57e1c5ed1afc4eb474d7.png" alt="">
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VSCO 会员是按年订阅，每年 138 元，提供所有滤镜。除此之外，你还可以解锁一些会员专属功能。目前，会员专属功能有：视频编辑、10 个自定义配方（非会员为 1 个）、HSL、边框。
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我认为，会员是否值得购买取决于个人的使用需求。VSCO 会员提供 7 天试用，**你可以在上完本课并试用体验后再看是否需要购买。**（Android 版用户可借用 iOS 设备购买会员，会员是跟随账号同步的。）
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图片社区是 VSCO 目前的一个发展方向，在社区页面里，你可以看到一些不错的推荐文章以及图片。通过这些文章和图片，你或许可以为自己的拍摄找到一些灵感。
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在**社区页面的右上角是设置入口**，你可以在这里进行一些相关设置，**默认情况下这里是不需要调整的，除非你有一些自己特定的需求。**
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工作室页面是默认打开的首页。点击顶部的**工作室**可以对布局方式以及显示的图片类别进行调整。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/65/5b/650dd3773130bfb495df37d04b4f565b.png" alt="">
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在工作室页面里，长按图片可以进行预览，双击图片可以进入到详情页面，选中图片则可以进行其他操作。
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值得一提的是，VSCO 提供了复制/粘贴的编辑功能，可以将某个图片的编辑内容（裁剪、拉直、倾斜除外）直接复制到其他图片上。**利用这个功能，我们可以快速完成同场景里一组照片的编辑工作。**
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页面左右上角两个按钮分别会进入到相机和添加照片页面，你也可以通过向右以及向左滑动快速进入到这两个页面。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/c6/0e/c6ab7d7fc97f603bf1e51e968fbdd00e.png" alt="">
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**VSCO 内建了一个非常完善的相机系统，**你可以通过这个相机来拍摄 RAW 格式相片，以及对相机参数进行自定义调整。自定义调整包括：曝光、白平衡、对焦、ISO、快门速度等。在构图辅助方面，VSCO 相机还提供了九宫格以及水平仪功能。
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由于 iOS 系统本身的限制，这套手动相机系统的快门最慢仅能调到 1/3s，所以整体来说，它除了 RAW 格式拍摄、手动对焦以及白平衡调整以外，在其他方面作用不是很大。而且 iPhone 通常也无需调整白平衡，所以并没有必要用这个相机替代系统自带的相机作为默认相机使用。
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不过，这的的确确是一个免费提供在 iOS 上的全功能手动相机系统，**当你有一些特定拍摄需求时，不妨一用。**
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调整页面是这节课的重点，也是 VSCO 作为一款优秀摄影工具的核心所在。调整页面里分为四个主要功能：**滤镜**、**工具**、**历史**、**整理**。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/96/eb/9604e8262baf90a0e4adbef5079dbaeb.png" alt="">
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**滤镜**页面是进入调整页面后默认显示的第一页。我建议你在平时使用的时候，也先挑选滤镜，随后再做一些细微调整。
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在滤镜页面点击左下角的滤镜按钮，可以选择滤镜的布局模式。此外，VSCO 提供了一个简单的默认分类，包括全部、收藏、最近、专题、暖、冷、活力、黑白等。这样的简单分类对我们使用滤镜会有一定的帮助，**但在有上百个滤镜的情况下，最重要的还是需要靠自己辨识和整理。**关于这点，我们后面再展开说。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/ff/3b/ffe11e5aa4c0da6ffd644f3542cc053b.png" alt="">
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这是**调整工具**与**历史操作**页面。调整工具里提供了多个调整项，由于数目众多以及内容相对重要，后面我会详细展开说，此处暂时略过。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/09/2a/09eb316cb4561e9b51b200f553f1b82a.png" alt="">
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在历史操作页面里，你可以看到当前照片都进行了哪些更改。
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向左滑动调整项可以进行编辑或删除，长按调整项可以看到去掉当前调整项后的画面效果。如果你想查看整个照片调整前后的对比效果，在调整页面的任意页面里长按图片大图即可。
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将调整项列表滑动到最后，你可以看到撤销以及全部清除选项。常驻在最底部的是配方，你可以将自己本次的编辑保存为一个配方，或者是使用之前保存好的配方编辑现在的图片。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/b8/20/b8ab20540fbeea80667f1706620fc220.png" alt="">
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最后一个是**整理**页面。在这里你可以整理预设、工具和配方。
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在预设项目里，你可以快速收藏自己喜欢的滤镜，以及调整收藏滤镜的排序，还可以隐藏掉自己不需要的滤镜。除此之外，在滤镜页面里长按某个滤镜也可以进行收藏。在工具和配方项目里，你还可以调整工具和配方的展示顺序，以及删除掉自己不需要的配方。
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**我这里显示的工具顺序是根据我个人的使用习惯和逻辑理解调整过后的，之后工具的讲解顺序也是按此顺序展开。**
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## <center>百里挑一：滤镜的选择与整理</center>
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/ef/93/ef2eadcec97e15de8c48a28e67cca593.png" alt="">
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VSCO 目前拥有 130+ 个滤镜，面对数量如此庞大的滤镜，我们如何快速挑选出适合自己的滤镜，就显得尤为重要。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/ae/01/ae97926ef1c546d80d11cc1a6f108801.png" alt="">
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在使用滤镜时，我们可以选择滤镜应用的强度，此时你可以看到当前使用滤镜的完整名称。**这些完整名称可以帮助你大致判断当前滤镜的用途。**在谈滤镜的选择与整理之前，我们先来看看何为 Film X 滤镜。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/26/5c/262b58cb64ffe47d4c7ce8a5f270495c.png" alt="">
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Film X 是 VSCO 推出的一系列模拟胶片风格的滤镜。这一系列滤镜跟普通滤镜的主要区别是：除了强度调整以外，它还提供了字符和温暖两个调整项。
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字符：字符的官方英文名称为 Character，按官方的说法，这是模拟了胶片曝光不足或是过曝时候的情况。从观感上来看，较多的字符通常会产生更鲜艳明亮的色彩，而较少的字符通常会导致褪色、柔和的色调。
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温暖：温暖的官方英文名称为 Warmth，这是模拟色温的调整，往左是偏冷，往右则是偏暖。例如，在城市夜景里，我们就需要一些偏冷的色调，而在日落时分，我们则需要一些偏暖的色调。**当然，这并不绝对。**
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相比 Film X 滤镜，我个人使用较多的还是普通滤镜，其中， 00、B、C 这几个系列使用得较多。VSCO 的这些系列滤镜首先会有一个整体针对的风格，不同的滤镜编号则会对应不同的环境情况或色调等。
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**通常来说，我会先确定照片是需要调整为黑白色调还是彩色色调，随后确定照片所需的风格是偏柔和还是强烈，最后再在这样较为确定的风格取向里挑选相适合的滤镜。**
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/10/6b/10d3870c76764949e9121cf03fd6946b.png" alt="">
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00 系列滤镜的名称是 Legacy（遗产） ，Legacy 是 VSCO 最早期推出的滤镜，彩色与黑白滤镜皆有，适用范围比较广。
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例图中雪景使用的 06 滤镜会加强画面对比度，在暗部添加一些偏绿的冷色调，与我所想要的环境氛围表达比较契合。
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B 系列的完整名称是 B&W Classic（经典黑白），很显然，这是一套实用性比较强的黑白滤镜。其中 B1 - B3 是画面偏柔和的黑白滤镜，而 B4 - B6 则是强对比的黑白滤镜。
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例图中使用的 B4 滤镜是明暗对比较为明显的一款黑白滤镜，这款滤镜可以很好地表现出图中荷叶场景的明暗关系。
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C 系列的完整名称是 Chromatic （色），C 系列有着良好的色彩表现，适用于一些色彩丰富突出的场景。
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例图中选用的 C9 滤镜恰好在当前场景中表现较好，C 系列滤镜的整体风格较为一致，但不同编号的滤镜会适用于不同的色彩场景。
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VSCO 提供的滤镜众多，但选择多则意味着容易纠结，而且如此多的滤镜我们也很难记住各自特性。因此**，如果你对滤镜的依赖比较大，滤镜整理就很有必要了。**
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了解，但无需记住，这些滤镜相对应的特性并不需要你全部记住。
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我们可以通过滤镜全称结合官方解释建立一个大致印象，除了上面提到的滤镜外，再比如 A 系列的滤镜全称为 Analog（类似物），官方描述为受到模拟胶片的启发而推出的滤镜，这样一来，我们就知道这个 Analog 指的是类似胶片的风格。
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如何看到滤镜的相关信息？在使用滤镜的时候，你可以看到相应滤镜的完整名称，通过滤镜的完整名称，你能大致了解到这款滤镜的特性。而更为详细的信息，则可以在会员页面里查看对应滤镜的官方介绍，那是快速了解一款滤镜最为可靠的方式。
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整理与收藏：在大致了解完滤镜风格后，对于一些你认为风格类似或你不喜欢的滤镜，可以在整理页面对其隐藏。**同时，对于常用或者较为喜欢的滤镜，你也可以进行收藏。**
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在实际使用时，你还可以利用默认提供的分类来快速找到一些滤镜，我觉得，其中的冷、暖、黑白这些风格明确的滤镜，是新手用起来比较好上手的。
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**想把这款软件打造成一件特别顺手、特别定制化的工具，花一些时间来整理滤镜是很有必要的，这可以提高你使用 VSCO 的效率，而避免在上百个滤镜里进行盲目尝试和挑选。需要注意的是，尽管官方有为我们提供一些滤镜的介绍和分类，但具体来说，滤镜是讲适合度，你完全可以根据自己喜好进行选择。**
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## <center>掌握主动：全面了解调整工具</center>
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VSCO 目前提供了 15 个调整工具，基本满足我们平时修图所需。合理使用调整工具，可以使我们的相片在对应滤镜下拥有更好的表现。**甚至，你可以完全不使用滤镜，仅利用调整工具来调出你所想要的照片风格。**
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所以，这部分既是 VSCO 调整工具的介绍，同时也是后期修图的入门教程。根据我个人的使用和逻辑理解，调整工具的介绍顺序有做调整，以调色靠前、细节修理靠后排序。
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我们对曝光最直观的感受就是画面亮度的变化，但这与我们调节屏幕亮度不同，曝光对于观感的影响远不止亮度这一项。画面色彩、环境氛围、场景明暗细节等都会因为曝光的不同而不同。
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所以，对于一张照片的曝光调节来说：**准确曝光并不一定是合适曝光，**根据照片所需表达的内容不同，画面曝光可不足，可准确，可过度。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/db/80/db510f6fcda9259048d85082e18b1180.png" alt="">
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对比度也是对画面影响较大的一个调整项。较低对比度的画面看着柔和，明暗反差小，色彩相对较平淡，而较高对比度的画面看着强烈，明暗反差大，色彩相对浓烈。
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另外，从观感的体现来说，对比度还会对画面亮度有着一定的影响。对比度较高会使得画面偏暗，而对比度较低会使得画面偏亮。所以在实际调整时，曝光和对比度可以配合调整。
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VSCO 的调节里将裁剪、旋转（这里称拉直）、透视纠正（这里称倾斜）整合在了一起，这是一个非常好的整合，更方便我们使用和调整。
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拉直，通常用于纠正拍摄时水平线倾斜的画面。例如左图的场景里，我的构图要求这些柱子是完全竖直的。
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裁剪，则是用于二次调整画面内容，这是非常重要的一个工作，我们可以在此重新考虑画面的主次元素，去掉一些不必要的内容，选择出我们需要的画面以及合适的画面比例。在右边的例图中，我不需要画面底部的内容，同时希望以偏长的画面比例来表现内容的层次感。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/03/21/0389a6990abbdc72efd45de9aa505321.png" alt="">
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倾斜，当你拍摄一个非常正的场景时不小心倾斜了，或许就要用到这个功能。倾斜调节分为 X 和 Y 轴两个方向，如果你拍摄时镜头左右环动了，就可能需要调整 X 轴，如果你拍摄时镜头上仰下俯了，就可能需要调整 Y 轴。
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在拍摄上面的例图时，我控制水平和 X 方向尽可能对齐，最终仅需调整 Y 轴，看远处的楼就能看出来。在 VSCO 的倾斜调节里，X 轴调节对于画面内容的影响是比较大的，所以我建议尽可能在拍摄时做好工作。
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与此同时，倾斜有时候需配合拉直来反复调整，以达到满意的状态。这也是我为什么说这几项调整整合在一起，我们使用起来会更方便的原因之一。
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如果你仍然不太理解上面有关拉直和倾斜的描述，现在请将你的头部视为镜头：
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1. 当你左右偏头时，你看到的画面相对来说便是水平线倾斜的；
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1. 当你左右环视时，你看到的画面相对来说便是 X 轴倾斜的；
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1. 当你抬头仰视或低头俯视时，你看到的画面相对来说便是 Y 轴倾斜的。
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**其实，当画面拍歪的时候，我们并不是一定需要调整，甚至有时候为了更为准确地表达画面情绪，我们需要把它调得更歪。**
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/4f/98/4f5b0f75ebc480ec4e134560d8af7598.png" alt="">
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饱和度影响着画面的色彩表现。饱和度越高，画面色彩越鲜艳，反之画面色彩则越灰。
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VSCO 的饱和度调整有一个特性是：即便是饱和度降至最低，色彩也不会趋向于呈完全黑白色，这与常规的饱和度调整工具不同。一方面，如果你需要将相片调为黑白色调，只能使用滤镜将相片转为黑白色；另一方面，在饱和度降至最低后，你仍然可以调整画面的白平衡来控制画面的色彩表现。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/08/4b/08825949d842bb79657da86a41bc004b.png" alt="">
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色调调整里分别有高光和阴影调整。在 VSCO 里，这两项分别对应的是高光减弱和阴影补偿。
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从例图中我们可以看到，调整高光会使得画面里较亮的部分暗下来，使得亮部的细节显现；而调整阴影时，会使得画面里较暗的部分亮度提高，使得暗部的细节得以显现。
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对于这张例图来说，当我们同时调整高光和阴影时，会双向使得画面明暗反差减少，整体看起来更为柔和。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/3b/dc/3b3bb3008468db69061b18f6cdd4eadc.png" alt="">
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肤色调整时，往左滑动会使得肤色偏紫偏红润，而往右滑动调整会使得肤色偏绿偏冷。尽管这是针对肤色的调整工具，但有时候还是会以较小的幅度影响着画面的整体色调。
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在白平衡调整里，有色温和色调两个调整项，两者的调整方向主要与相片内容以及你想表达的情绪有关。
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从不同调整项对应的滑杆颜色，我们可以看到，色温是调整画面冷暖色调的，而色调则会使得画面偏绿或者偏紫。在实际使用时，色温调整相对色调调整来说会更为明显。我通常会先调整色温来为画面色彩定一个基调，随后再通过色调来进行微妙调整。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/49/42/49c06a11d2066b64a6c368f67a2d9d42.png" alt="">
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在色调分离调整项里，我们可以对阴影和高光分别添加一些色调，这里添加的色调是分离的，不受其他调整项（例如饱和度、对比度、曝光）的影响。
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色调分离有助于我们对画面色彩进行进一步的微调，以达到自己想要的氛围。像例图里这样极简画面的极端情况时，你甚至可以利用色调分离功能直接更改场景的颜色。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/a1/77/a1fbbe1b184dc658c5ac4d49f7c39b77.png" alt="">
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HSL 是单类色彩调整工具，利用这个工具，你可以调整单类色彩的色度、饱和度以及亮度。
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在例图里，我选择了调整红色，并改变了红色的色度以及饱和度，你可以看到图片中的红色色彩随着相应的调整而变化。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/f2/9a/f2b9eb3c6fa64e5e3c8a3fd391969f9a.png" alt="">
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暗角调整，可以使得画面四角的亮度暗下来。在实际使用时，如果画面四周偏泛白，可以使用暗角来进行调节，或者有时候为了相片风格化而添加一点点暗角。
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**无论如何，对于暗角的添加，我个人的建议是：要自然。**
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颗粒会给画面添加一些质感独特的颗粒，这是一种模拟胶片风格的效果。
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对于一些场景画面，适当添加颗粒，画面会有独特的风格表现。此外，对于一些画质不太好或噪点较多的照片，也可以通过添加颗粒来缓解画质问题。**但特定特用，不建议盲目添加。**
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/7c/2d/7c874e521f7aa55b6167619653c1ef2d.png" alt="">
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同样，褪色也是一种模拟胶片风格的效果。在增加褪色后，会给照片盖上一层灰色蒙版。**这是一个风格化的功能，请根据个人喜好酌情使用。**
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/8f/de/8f807531dff2132246d71d8e97888ede.png" alt="">
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锐化，会使得画面看起来更锐利。
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并不是所有图片都需要锐化调整，也不是所有图片都需要锐利的画面表现，我们需根据实际画面的不同以及画面的表达需求而定。**同时，在调整锐化时也要避免过度锐化，否则会使得画面观感变得非常糟糕。**
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清晰度和锐化有一些相似，但实际上清晰度是使得画面整体细节表现更好。同样，这也是需要根据实际画面的不同以及画面的表达需求而适度考虑的调整项。
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整体来说，锐化和清晰度调整都属于比较细节的调整工作。当画面内容需要，或者画质较差时，我们可以利用这两个功能进行一些调整改善。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/a0/68/a0663ef3de8b90aa8284f0ba52e8a168.png" alt="">
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利用边框功能，我们可以给相片添加各种颜色的边框，并且调整边框与相片的比例。
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合理使用边框功能，也有利于画面的情绪表达。除此之外，由于 VSCO 的边框功能是基于原图画质生成的，**在图片画质较差的情况下，我们也可以利用这个功能，通过缩小画面来缓解照片的画质问题**。
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## <center>最后小结一下</center>
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当你看到此处时，你并不是完成了有关 VSCO 的学习，而是刚刚开始这个软件的使用。
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**修图这件事，花时间动手尝试远比看更重要**。这背后的原因不仅仅是因为我们需要熟练操作、熟悉各个滤镜特性以及各个调整工具之间的相互牵连影响，更重要的是：我们修图是为了更准确地表达出我们想在相片里表达的情绪，而这个情绪，是我们自己的，需反复练习尝试，在别处学不来。
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## <center>课后小练习</center>
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翻出一张你近期拍的最满意的照片，或者现拍一张，好好地现拍一张照片，把它拖进 VSCO 里后期一下，然后点击文末的图片，去部落发你的原图和成片，谈谈心得体会。
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我们下节课见。
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极客时间专栏/摄影入门课/实战篇/19 | 基础手机后期（下）：Snapseed 使用攻略（@随你们去）.md
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极客时间专栏/摄影入门课/实战篇/19 | 基础手机后期（下）：Snapseed 使用攻略（@随你们去）.md
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你好，我是@随你们去，这次还是我代课，今天咱们聊一聊 Snapseed 这个软件的用法。
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与 VSCO 一样，Snapseed 也是一款历史悠久的移动端图片后期工具。在 2012 年，Google 收购了 Snapseed 的开发商 Nik Software，得益于此次收购，这款曾经的 iOS 付费应用现在可以在 iOS 以及 Android 平台上完全免费使用。
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跟 VSCO 不同的是，Snapseed 是一款全能的后期工具，对照片有着更加自由的调整空间，但因为它默认提供的滤镜相对鸡肋，所以最好让它和 VSCO 形成互补来搭配使用。我自己习惯用 VSCO 调色，用 Snapseed 处理一些特殊需求。
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**注：**
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1. 为了避免重复，有关 Snapseed 与 VSCO 重复功能的部分本节课会略过；
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1. 考虑到实用性，滤镜部分本节课也不涉及；
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1. 上这节课前，建议你再翻回上一节课看一看里面的“调整工具”部分。
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用 Snapseed 打开一张照片后，我们可以看到它整体的界面布局：底部栏分别为**样式**、**工具**和**导出**功能，顶部栏分别为**打开新照片**、**操作记录**、**图片信息**以及**更多**（设置、教程、帮助和反馈）功能。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/d3/b5/d32872a9a84a15f2ae80a52a8c0227b5.png" alt="">
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导入照片后，**样式**是第一个呈现的页面，但通常情况下，这里我们直接切换到**工具**即可。因为 Snapseed 所提供的这些样式的适用性非常糟糕，而且也没有应用程度的微调选项，搞得这个功能基本用处不大。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/eb/64/eb0d559a1bfc32b1d785de9e18762764.png" alt="">
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样式栏滑动到最后，你可以将自己的当前调整步骤（如果有）添加至样式里。由于每张照片所需要的调整步骤各不相同，这样的操作仅适合用于批处理同一系列照片，其他情况下不建议使用。
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**所以总结来说，除了使用自己建立的样式来进行批处理外，不建议使用 Snapseed 的样式。**
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工具页面里总共有 28 个小工具，但这里面有部分小工具实际上是滤镜。这些滤镜是：“HDR 景观”“魅力光晕”“戏剧效果”“复古”“粗粒胶片”“怀旧”“斑驳”“黑白”“黑白电影”。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/6f/0c/6ff3b6041dec2525e92cf326157ae10c.png" alt="">
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除了滤镜外，“美颜”和“头部姿势”这两个小工具是关于美颜的，不是本课的重点，我只在这里简单介绍一下：“美颜”工具相对常规，可以识别面部并提供肤色调整、面部提亮、嫩肤和亮眼功能；“头部姿势”工具则比较有趣，可以调整面部角度、瞳孔大小、笑容和焦距。
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除去上面所提到的内容，还剩下 17 个小工具，我稍后会一一介绍。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/ea/a5/eab2c05c704fd2be113692a216bc7da5.png" alt="">
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iOS 和 Android 两个版本的导出功能有所区别，具体实现的功能可以查看小字描述部分。其中 iOS 可以以三种方式导出，分别是：覆盖原图的保存（图片可再次修改）、副本的保存（图片可再次修改）、直接导出的保存（图片不可再次修改）。
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这里“覆盖原图的保存”以及“副本的保存”，保存后的图片可再次修改，和其他工具有所不同。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/79/34/796def2ae0b1109ef6f8f1bc1ddaf234.png" alt="">
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在操作记录里，我们可以进行撤销、重做以及还原操作。在“查看修改内容”里，还可以重新调整或删除某单个调整项，对于大部分调整项来说，都可以在这里使用画笔来将其调整为局部处理。（画笔是 Snapseed 里比较重要的一个工具，后面我会详细介绍。）
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位于最底部的 QR 样式是样式分享功能，你可以通过这个功能将自己的调整步骤创建为一个二维码供他人使用，或是使用他人的调整步骤。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/2b/73/2ba6e533f7dedd7ec33e01d72a8bce73.png" alt="">
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在详细信息里，我们可以看到这张图片的创建时间、名称、分辨率、大小、拍摄机型、拍摄参数以及位置信息。
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在设置里，可以对导出画质进行调整，建议设置为**不要调整大小**以及 **JPG 100%** 画质。
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在 Snapseed 的调整里，我们每完成一个调整步骤，这个步骤就会被单独保存至**操作记录**里，当我们在工具页面再次进行同样的调整时，并不是修改之前的调整，而是在这个基础上进行叠加。
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举例来说，我们可以在 Snapseed 对一张照片的亮度调整进行 “+100” 随后再 “+100” 随后再 “+100” 这样的叠加，这样的特性使我们对一张照片有着非常大的调整自由度。而 VSCO 就不是这样，VSCO 对于每个调整项都相对更克制一些。
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认识完 Snapseed 的整体界面，下面我会详细介绍工具里涉及到的 17 个小工具。为了便于理解，我将这 17 个小工具分为**基础功能**、**局部处理**和**特色功能**三部分，除了简单的功能介绍外，我还会附带一些个人的使用建议。
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## <center>基础功能：初步的完善</center>
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/bd/a6/bdfdd1f25a5a2a5df5ef01ceba2e20a6.png" alt="">
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在基础功能部分，主要是调整图片、突出细节、曲线、白平衡等常见工具。其中，曲线是一个强大但不太容易理解的工具，带你认识曲线是本节课这部分的一个重点。
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在调整图片工具里，我们可以对亮度、对比度、饱和度、氛围、高光、阴影、暖色调进行调整。此外，Snapseed 还提供了一个**自动调整**功能，这在部分小工具里都可以看到，但**由于机器对于照片的判断与我们自己的想法大不相同，我个人不推荐使用。**
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/18/ba/182890962af2f0c827b5da15494098ba.png" alt="">
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其中，氛围是 Snapseed 里特有的一个调整项，实际上是一个综合调整，随着氛围的添加与减少，照片风格会随之变化，最大的区别体现在高光和阴影上。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/68/aa/68a27f158601c4a081e607aa37f6a5aa.png" alt="">
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除此之外，调整幅度更大也是 Snapseed 与 VSCO 的区别。在这里，高光与阴影均可以双向调整，而不是像 VSCO 上只能进行高光减弱和阴影补偿。当我们需要去掉高光或阴影的细节时，就需要进行相应的反向调整。
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突出细节里提供了结构和锐化调整，锐化与 VSCO 没有区别，结构则对应着 VSCO 里的清晰度，但这里的结构是支持双向调整的。
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当照片需要表现得比较柔和或去掉一些细节时，我们可以通过结构减弱来实现。
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Snapseed 里提供了曲线工具。通过曲线工具，我们可以对照片进行调色上的任意处理，除了亮度、对比度、高光、阴影等常规调整外，还可以对色彩进行最大化的自由调整。
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为了便于理解，我制作了一张黑白渐变图来演示曲线对于我们画面的影响，希望这几张图可以帮助你明白曲线是怎么一回事。
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在 Snapseed 的曲线工具界面里，分为曲线选择、显示与隐藏、预设曲线三部分。在曲线选择里，我们可以选择当前调整的曲线是 RGB 还是红色、绿色、蓝色、亮度等，这里的亮度是 Snapseed 里特有的一个调整曲线，其余四个则为常见的曲线。
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通过 RGB 曲线，我们可以实现亮度、对比度、高光、阴影等调整，实际上，这些调整就是从曲线里分离出来的小功能，我们使用起来会非常方便。
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通过红色、绿色、蓝色曲线，我们可以实现对应的色彩调整，或是把他们搭配起来使用，调出任意色彩，这里的任意色彩是指：色值可以表达出来的颜色都能够调出。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/73/fe/73dfb4c2cccc773c7b18fa737bb292fe.png" alt="">
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在 Snapseed 里，我们点击曲线上的任意一处，可以添加点，如果你想去掉其中某个点，将其拖到曲线的坐标图外即可。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/4a/ce/4ad3bf00fc410ac7194b0f4a275903ce.png" alt="">
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在曲线的这个坐标图里，横轴（从左到右）是以亮度来对应当前画面内容的，最左边代表着画面最暗的区域，最右边代表着画面最亮的区域。纵轴（从下到上）对应着当前曲线调整项的应用程度。
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需要注意的是，这个亮度或应用程度并不是通过具体画面来分的，而是事先就预设好的，共有 256 个分级 (0-255)，画面自己对号入座。比如说，如果我们导入的照片没有纯黑的部分，那么在最右边就没有对应的照片信息。
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在图片演示里，我展示了在 RGB 曲线里三个极端操作的情况：
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1. 将左下角的点移动至左上角，整条曲线都在顶部，代表着画面从最暗到最亮的部分都调整为最亮，这使得我们的演示图变为纯白色；
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1. 将右上角的点移动至右下角，整条曲线都在底部，代表着画面从最暗到最亮的部分都调整为最暗，这使得我们的演示图变为纯黑色；
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1. 上述两种调整均进行，将画面最亮部分调到最暗，画面最暗部分调到最亮，由于是一条线在控制，最终演示图的渐变方向对换。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/0e/42/0e6f8520d8ee64bbf8345f29f7e84742.png" alt="">
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所以在实际运用时，我们下拉曲线会使照片整体变暗，上拉曲线会使照片整体提亮。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/5f/82/5f5306e82a0b389a19de23580ca30a82.png" alt="">
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再例如这样的曲线，我们可以看到，左边操作是将暗部变暗、将亮度提亮，所以画面整体上暗的部分变得更暗，亮的部分变得更亮，于是整体观感是对比度提高。右边的操作则相反，使得画面整体观感变得柔和，也就是说对比度降低。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/f4/d7/f4bc5c379ca97156e2d4c6d42ef106d7.png" alt="">
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我们有了前面的基础后，色彩部分就比较好理解了。首先我们要知道的是，红绿蓝这三个颜色就是我们常说的 RGB（Red/Green/Blue），这是生物学角度的**光的三原色**，我们可以用这三种光色混合搭配出来除黑色以外的任意颜色，这就是曲线里提供了这三条色彩曲线的原因。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/4e/21/4e8dad81568a92e701b764e9a8cff221.png" alt="">
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在调整色彩曲线时，实际上是对照片添加或减去某一种颜色。在图片的操作里，我演示了三种极端情况，都是在最暗处加满当前曲线的颜色，而在最亮处完全删去当前曲线的颜色。
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通过图片我们可以看到，在保持其他颜色不变时，删去当前曲线的颜色会出现对应的补色，红色 (Red) 的补色是青色 (Cyan)，绿色 (Green) 的补色是品红 (Magenta)，蓝色 (Blue) 的补色是黄色 (Yellow)，所以我们就又知道了一组**色彩三原色**——**CMY**。
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在自己本身能发光的屏幕上，我们看到的是 RGB，在自己本身不发光、只能靠反光的物品上（比如印刷品），我们看到的是CMY，还有 K（BlacK）。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/74/ae/7482bb6686181c6566c9c770885434ae.png" alt="">
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当我们像图中那样操作时，基本可以混合出任意的颜色，或者是在颜色全加满时照片变为纯白，颜色全删去时照片变为纯黑。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/be/05/be704cbf384c2deedea58f5aef897005.png" alt="">
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在 Snapseed 的预设曲线里，我们可以看到这些滤镜是如何通过曲线来搭建的，这对我们有着一定的参考作用。曲线有着非常大的自由度，这就意味着它很难控制，所以我们讲到这里，仅仅是走出了掌握曲线之路的第一步。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/db/1d/db1f70f6cbc35a78888bb4c41b9ca61d.png" alt="">
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白平衡里提供色温和着色，与 VSCO 里的色温和色调相对应，也是冷暖和绿紫两个方向的调整。在底部的三个选项里，分别对应着自动调整、调整工具、取色调整。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/27/a6/278449c7e97d876deed1d54b9edf18a6.png" alt="">
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剪裁、旋转、透视这三个工具，Snapseed 里分为了三个小工具，但实际上它们属于一类调整。其中剪裁和旋转不必多说，透视工具比 VSCO 的更加完善，着重说一下。
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在透视调整栏的底部，也有三个选项，分别对应调整方式、填充色和自动调整。“自动调整”你可以试一试，但由于参考线问题，经常出错。
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在正式调整前，建议先根据自己的图片情况调整填充色。在绝大部分情况下，建议选择黑色或白色，因为智能填色是有局限性的，情况一旦很复杂，就会像图片上那样变得不自然。
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如果照片的边缘比较好处理，例如大海、草原、平面等，就可以尝试用用智能填色。
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在调整方式里，Snapseed 提供倾斜、旋转、缩放和自由四种方式，调整的用途在上节课里已经讲过，这里说一下缩放的用途。
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在上图的例子中，我们对建筑进行了大幅度的纠正，这导致建筑的高度被压缩。这时候，我们就可以利用缩放来改变图片的高度比例，以还原到接近真实情况。
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**Snapseed 的透视工具比 VSCO 更加完善，但调整的算法并没有 SKRWT 好，如果你有大幅度调整的需求，使用 SKRWT 来处理是更好的选择。**
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/5d/f3/5d7eada2314153c74cd4e985bf3324f3.png" alt="">
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色调对比度，从字面意思理解就可以——调整各个位置色调的对比度。它将画面分为高色调、中色调、低色调三个部分，可以分别调整对应的对比度。
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而保护高光和保护阴影在调整过色调对比度后可以起作用，实际上就是一种高光减弱和阴影补偿，以保护高光和阴影的细节。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/fe/1d/fe4d6edc4047badcc72b028ef8efce1d.png" alt="">
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晕影，即暗角调整。在这个工具里，我们可以通过双手捏合缩放来调整圆圈大小，以控制调整范围。在这个圆圈的内外，我们可以分别调整亮度，也就是外部亮度和内部亮度。
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在实际使用时，由于 Snapseed 的暗角调整范围比较大，比较容易调出不自然的状态，一定注意不要调整过度。
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## <center>局部处理：精细化处理</center>
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/05/9d/052d5bf96c4a26c37d578856cefbda9d.png" alt="">
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Snapseed 的局部处理，是其一大特色，也是我经常用于替代 VSCO 进行细节修复的原因之一。这节课将工具里的局部、画笔以及修复分到这里来讲解，其中，画笔还包括了在操作记录里的画笔，那是一支神奇的笔。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/eb/26/ebae57b169ba9bc88e918e24f113a726.png" alt="">
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在局部处理里，你可以添加一个个小点来选择自己处理的地方，双指捏合缩放可以调整当前小点的应用范围。为了画面更自然，这个小点还有色彩识别的能力，只会调整应用范围内画面色彩接近的部分。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/4f/67/4f19d040946214ecef8e2745355b2967.png" alt="">
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这些小点提供了亮度、对比度、饱和度、结构四个调整项，我们可以通过上下滑动来进行切换，左右滑动进行调整。单击某个小点，还可以进行剪切、拷贝、删除或重置。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/1d/c8/1d9c1db47c57da73795fff924b7df0c8.png" alt="">
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在这张示例图中，我希望将画面前景的建筑处理为完全纯黑的剪影。在实际操作时，利用局部的小点调整建筑的亮度和结构，分别降低亮度和弱化细节，然后在建筑的各个地方复制粘贴小点，最终达到我希望的效果。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/a9/49/a9cdff445b9e1dc2c87ebf2316434149.png" alt="">
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在局部处理时，我们还可以放大图片，以进行更为细致的处理。比如，通过反复的处理，把这样一张照片变为一张极简风格的照片。
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Snapseed 里有两支画笔，分别是“工具内的画笔”和“操作记录里的画笔”。这两支画笔的操作方法都一样，但从效果上来说，在操作记录里的那支画笔有着更大的创造性。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/85/69/852411d3c3a125c78b1ebfeedc337369.png" alt="">
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我们先来看看工具内的画笔。
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这里提供加光减光、曝光、色温、饱和度四个调整项，我们可以在照片上进行涂抹以选择调整项应用的范围，点击右下角的小眼睛可以显示或隐藏涂抹的范围。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/1e/24/1e42426f595b9f89721282752dd7d224.png" alt="">
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在例图中，我对画面顶部的天空部分选择减光 -5 并涂抹，对画面底部的花丛部分选择饱和度 +10 并涂抹，希望通过这样的操作来使得天空部分亮度降低，前景的花丛饱和度提高。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/72/db/7252d18167e6089550c61bd42b50a1db.png" alt="">
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最后我们可以看一下处理前后的效果对比：
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/ac/1a/ac5e20c4eef03b5707a2fdd3386c771a.png" alt="">
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除了工具里的画笔，我们还可以在操作记录里启用画笔，通过这样的方式让每个调整项都变成局部调整。比如，我调整了上面这张照片的结构，但最后通过画笔，我让结构的增强只应用在了花丛部分。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/3c/16/3cb7e3ca3c3e39dfe8adc2dca1355316.png" alt="">
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这是黑白滤镜再通过画笔处理后的效果，这是一个糟糕的、但对比明显的效果，主要是为了方便你理解画笔的功能。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/3a/85/3aae1a8a32eae731073dd17e0f85bc85.png" alt="">
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修复工具可以帮助我们去掉画面中一些不需要的物体。由于这是一个智能修复工具，原理是利用修复区域周围的内容来填补修复区域，所以对于相对复杂的场景，修复效果并不理想，主要还是用于污点的处理。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/4b/cc/4bdb6a26ef3024c0b7484bd7af96aecc.png" alt="">
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**在实际处理时，建议放大照片来进行精细的操作，这样处理后，即便是有小瑕疵，回到正常照片大小时也不易被发现。**
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## <center>特色功能：创造性工作</center>
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/9e/d9/9e422dbd0a0e09b01de123d7826fa0d9.png" alt="">
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特色功能包括展开、镜头模糊、双重曝光、文字和相框这样一些相对少见的工具，但这些工具有的非常实用，有的可以帮助我们做一些创造性的工作。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/f0/24/f075cc1d8ce7ba30208c0fed44558924.png" alt="">
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利用展开工具，我们可以将照片四周边缘扩大，以重新调整构图。与透视调整时一样，展开工具同样提供了智能填色、白色、黑色三个选项。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/e3/e4/e3d4714c57c21d654d05e68db8a46ee4.jpg" alt="">
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局部处理中的那张例图，通过展开工具处理后得到这样的效果。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/7c/a0/7c8efffd98649c0bf24bfc863b3c9fa0.png" alt="">
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在镜头模糊工具里，我们可以切换模糊范围的呈现方式（圆形或矩形），调整模糊强度、过渡长度以及晕影强度。利用这个工具，我们可以模拟大光圈的虚化效果，但实际上这很难模拟得自然。所以我的用法是：**简单景深关系的模拟、解决照片的噪点。**
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/df/10/df29fe94e6381d34b7c8bcf435002110.png" alt="">
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比如图中这个场景，景深关系相对简单，我们可以通过矩形来模拟一个前后关系，让倒影部分虚化。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/bc/6e/bcc145c4e88ea676ccc14f6fd9e9fa6e.png" alt="">
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最终调整出来的对比效果如图，整体还是比较自然。**但是，这个效果是不符合物理规律的，在物理上是不可能实现的，所以咱们尽量不要随便用它来模拟大光圈效果，保不齐一个不小心就弄错了。**
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/b3/44/b35f4afe35ebf8411cd4aad6f7cdf144.png" alt="">
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在一些光线较弱的照片里，画面边缘往往存在一些噪点问题，如果恰好这些部分的信息不太重要，那么我们就可以使用镜头模糊来解决一下噪点问题。
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看例图，天空部分有一些相对明显的噪点，我通过镜头模糊工具，使得顶部模糊，最终在不影响画面内容的情况下抹掉了噪点。（第三张为原图）
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/8b/bd/8b839e90225ce7c5c97c3612baa772bd.png" alt="">
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利用双重曝光功能，我们可以制作出一些极具创造性的照片。在 Snapseed 的双重曝光工具里，底部三个选项分别为添加新照片、混合模式以及叠加照片的不透明度。
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双重曝光的表现方式有很多种，同一张照片叠加、同一风格照片叠加或者不同风格照片叠加都可以。
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我们首先演示的是同一张照片叠加。新增照片后，混合模式保持默认，双手捏合缩放照片来调整大小和位置，然后调整不透明度。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/da/f7/dae90de35e4e0515c613522bcec349f7.png" alt="">
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随后我们还可以在操作记录里利用画笔工具进一步调整双重曝光的混合范围。这张图片我只是希望对中间部分的建筑做一些混合。最终完成的效果图如下：
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/9d/07/9dc515442a55e49888823cd750399607.jpg" alt="">
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风格接近或情绪接近的照片也可以用于双重曝光制作，我的建议是要色调一致，例如我选择的两张同场景的黑白照片。同样，选择合适的混合模式以及不透明度后，再利用画笔来进行调整。最终完成的效果图如下：
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/ca/12/ca8f508b400af60ba90a52bfce0a7812.png" alt="">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/08/aa/08498c961c80d4bac6290f3c94a072aa.jpg" alt="">
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在网上搜“双重曝光”时，我们可以看到大量人像与场景混合的照片。这一类照片的重点是：人像照片需要足够干净，就像我下面给出的例图这样。
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在选择混合模式时，需要根据实际照片的情况来选择。这张图我选择的是调亮，这样子画面亮部（背景和面部）不会混合，而暗部（头发部分）则混合了照片。
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文字工具的功能其实比较简单，常规的是文字颜色、字体、不透明度调整，此外还有一个相对特殊的倒置功能，但重点是我们可以配合画笔来做一些有趣的事情。
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例如我输入空白文字，再选择倒置，使得整张画面都被覆盖。此时打开画笔工具，我们就可以在图片上画出自己想画的任意内容了。
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我们还可以利用画笔功能来创造出立体文字的效果。
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相框工具提供了多个相框样式，同时可以调整相框宽度。但我认为这个工具与 Snapseed 的滤镜是在同一档的：不可用。一方面，它会减少画面内容，另一方面，Snapseed 里自带的相框确实不太好看，所以我个人不建议使用。
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## <center>最后小结一下</center>
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Snapseed 对图片有着非常大的调整空间，配合可叠加操作这个特性，调整范围可以说是能被无限放大；局部和画笔工具可以帮助我们进行更加精准的画面处理，而一些特色功能搭配画笔使用，可以帮助我们搞出一些富有创意的图片。
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可以看到，Snapseed 能做的事情很多，但想把它用好，不是短时间能完成的。**还是那句话：修图这件事，花时间动手尝试远比看更重要。**
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## <center>课后小练习</center>
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上节课的最后，你用 VSCO 修好了一张照片，那这次，你把这张已经修好颜色了的照片再导进 Snapseed 试一试，看看还有哪些细节可以做优化。
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我们下节课就不见了，下节课是这整期课的最后一节，会由 Lufus 来讲，之后结束语的时候麥爷会归位。希望算上开篇词和结束语，这 22 讲全看下来，你能真的有收获。那我们山高水远，江湖再见。
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极客时间专栏/摄影入门课/实战篇/20 | 摄影的更多可能：摄影到底是不是艺术？.md
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极客时间专栏/摄影入门课/实战篇/20 | 摄影的更多可能：摄影到底是不是艺术？.md
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<audio id="audio" title="20 | 摄影的更多可能：摄影到底是不是艺术？" controls="" preload="none"><source id="mp3" src="https://static001.geekbang.org/resource/audio/6d/e4/6d8b9be37c91fea0aad818c6e531b4e4.mp3"></audio>
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你好，我叫孙晟钧 Lufus，是小麥在开篇词里就提到过的神秘合作伙伴。
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这套课一开始的时候，我们挖了很多坑，留了很多思考问题，比如在讲摄影史的时候提到过摄影是否就代表着忠实记录，客观还原；比如提到了摄影跟绘画之间的异同，举了 Rodger Ballen 的例子来说明现在的摄影师们是如何用画画的方式拍照片；比如带你看了许多“莫名其妙”的照片。这些照片里有看似平淡无奇的建筑跟城市景观，像是 Mark Power 跟贝歇夫妇，也有门槛极低、有相机就能拍的家庭快照，像是荒木经惟拍他的老婆阳子；也有操作复杂、技术含量极高，用普通人可能一辈子也接触不到的拍摄方式拍成的“技术流”照片，像是杉本博司的剧院、海景、闪电系列等等。
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提了这么多外国人名，你可能依然会觉得他们离自己的日常生活非常遥远。“我不想当什么艺术家，也不想在大庭广众之下展览自己拍的照片。你让我看的那些照片我也没觉得它们有多好，什么艺术不艺术呀，把我家人孩子拍好最重要，你老跟我提他们干什么？”
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这最后一节课的目的，一是为了填坑跟查缺补漏，带你了解更多当今活跃的摄影师跟他们的创作技法，第二就是为了解答你心里可能会有的这些疑惑。我们的课程进行到这里，你应该多少也明白了摄影绝不仅仅是“拍到”那么简单。而在这套课程结束以后，你应该也不想再和其他爱好者们一样，在一段时间的拍摄后就“泯然众人矣”了，没有再拿起相机的动力和欲望。不光能拍到，还能拍好看，还能在长年累月的持续拍摄中找到快感，这是我跟小麥当初设计这套课时最主要的想法。没错，“艺术”这词是挺大的，也都快被用滥了，但学完这节课后你就会明白，艺术，其实也没多高大上，它原原本本就扎根在你我的日常生活里，也只有它，才是让你能一直持续拍下去的动力。
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话不多说，咱们还是先来看几张图，它们都来自于我喜欢的几位中国摄影师。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/b3/96/b342ef1dc76842a60858fa23a5467f96.jpg" alt="" title="黄京[br]微博：@吃土豆的人啊[br]网站：http://huangjingfoto.com/">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/81/bd/8174c139be40b138c165369b4db153bd.jpg" alt="" title="尤达任[br]网站：https://darenyouphoto.com/">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/41/1c/41b6e5a29293be1906c1c5770170e41c.jpg" alt="" title="张内贤[br]微博：@_张内咸">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/e0/9b/e0d9a0b9bc6cd62d887fd7c99537249b.jpg" alt="" title="宋朝[br]网站介绍：http://photographyofchina.com/blog/song-chao--3">
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上面这些照片应该是你在平时浏览摄影相关内容时，比较难见到的图片类型。这些摄影师的个人风格鲜明，每个人都有一套自己非常固定的拍摄技法，拍摄主题也相对不变。**长年累月保持一机一镜拍摄同一主题**，这是职业摄影师与业余爱好者间最大的区别。
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再仔细观察就会发现，这些图片全部取材于摄影师自己的日常生活，也没有什么战地苦难、旅游美景，或是突发事件这些刺激人的外在因素。当然，最重要的是这些照片模仿起来都有一定难度，无论是从技术角度还是摄影师这个人本身。
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简单分析下几位摄影师的图片。
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首先是黄京。关于他的介绍我就不在这儿多说了，网上有很多访谈，感兴趣可以去搜一搜，简而言之就是一个每天都挂着一台全手动的胶片旁轴相机，只要出门就拍两张，曾因为“喜欢观察单位食堂的鱼缸，而为了表达这种特殊的喜欢，前后拍了4000多张照片”的人。他的拍法本身没有什么难度，就是靠纯粹观察日常生活里的琐碎细节，完全利用自然光，估焦估曝光，将这些细节直接、忠实地拍摄出来。虽然拍法没有难度，但恰恰是他这个对日常事物的**观察角度**无法被人模仿。优秀摄影师区别于爱好者的一大表现就是能将平常人觉得“这有什么可拍”的东西给拍出来。他能看见的你看不见，说的就是这个道理。
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即便是处理同一个场景，面对日常生活里相同的素材，不同的摄影师也可以对它们采取不同的视觉观察角度，使得这些相同的场景变成不同的照片。听上去挺玄的，但其实“观察角度”分解成参数无外乎就是**距离、景别（近景、中景、远景）、取景框线（焦段）、拍摄角度（俯视、仰视、平视）和快门时机**，改变其中的任何一个变量，都能获得不一样的照片。长年大量用一机一镜拍摄同一主题的摄影师，基本上都形成了一套视觉的肌肉记忆，在面对一个场景时，能如同直觉一般在脑袋里将这些参数瞬间组合好。而想形成这样的直觉，就需要你在日常练习时，面对同一个场景，尽可能地多拍，不要拍完一张就草草收场，学会等待、预判快门时机，尝试用同样的镜头站在不同的距离下拍摄，远中近、上中下都观察好了再按快门。
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说回到这些例图本身。如果摄影师仅仅将他直接拍好的照片不加编辑，不加处理地原封不动给放出来，你大概率也不会觉得它是一张好照片。摄影师的工作绝不仅仅止步于按快门，后期编辑是每个想拍好照片的人都必须要做的一件事。许多摄影爱好者都会有一个错误观念，认为后期了的照片就不是好照片，好像只有“原片直出”才是正统。而我想纠正的是，首先，“原片直出”也是后期，是相机算法给出的后期，这在咱们之前的课程里已经说过了。其次，后期并不仅仅指涂抹、抠脸、加噪点、加暗角、更改画面内容、磨皮、拉腿等这些技巧；像是裁剪画面、调整画面明暗反差、调整色调、更改饱和度、点亮阴影、压暗高光等均属于后期的范畴。我们这套课里给出过的所有例图，每张都是摄影师后期调整的结果。**建立完整的后期意识，是拍好照片的必要条件。**
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后期技术，其实早在胶片时代就已经诞生了，数码 Photoshop 只是沿用了胶片时代摄影师们的处理方法。而在胶片时代，每张从暗房放大出来的照片其实都是后期处理的结果，它就没有不后期的照片。摄影师用暗房放大机里的滤色片来改变对比度，用手遮光挡影来改变照片局部的明暗程度，像我们第七节课提到过的 Ansel Adams，就是通过前期冲洗 + 后期暗房调整才能制造出下面例图里这样的视觉效果。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/ce/4f/ce70b7ba00e934e2585f4ae84113aa4f.jpg" alt="" title="Ansel Adams 于 1941年在新墨西哥州拍摄的月升，后期制造了异常丰富的黑白影调">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/e9/aa/e94feb87b60304e8b90f88351e72bbaa.jpg" alt="" title="Dennis Stock 于 1955 年拍摄的男明星 James Dean，左边是暗房放大的原片，上面标记着摄影师想要对画面效果做哪些更改的笔记；右边是经过暗房后期后的最终成片。">
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所以不要一味地认为拍照不需要 P 图，掌握基本的明暗调节技巧，学会调色，是拍好照片必不可少的一步。
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虽然暗房、胶片听上去离我们很远，但如今它依然被广泛应用在艺术摄影领域，柯达、伊尔福、富士这些公司也依然在生产着胶片。当今的摄影师们之所以仍执着于使用胶片，除了情怀和好玩，也是因为银盐底片跟光学放大后的质感效果，对影调与色彩的完整还原，是现在的电子微喷尚无法完全模仿企及的。比如黄京老师的照片之所以会有那么强烈的明暗反差和大颗粒感，就是胶片与银盐相纸本身的材料特性所决定的。
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黄京使用胶片拍摄，拍摄后再对胶片进行迫冲（延长冲洗时间 + 提高冲洗用的药水温度），好提高底片本身的对比度和颗粒感，制造出视觉效果很“硬”的底片原片，然后拿到暗房进行放大，再把放大后的银盐照片重新扫描回电脑里进行最后的修改编辑。所以，即便你选择了去模仿拍摄和他一样的照片，以同样的角度去拍居民楼的楼道（例图里的图七），你也不会得到观感相同的图片，原因就在于这里还涉及到了工艺问题。
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再比如，第二位摄影师尤达任，用到了凹版印刷（Photogravure）这一古老工艺。它的操作过程非常复杂，需要将曝光放大好的明胶照片转印到铜板上，利用化学反应将铜板腐蚀后，再涂抹油墨于铜板上进行印刷。由于油墨本身的质感，使得印制出的照片影调柔和，颗粒感细腻，看似平淡的画面经由工艺处理后会呈现完全不同的效果，**工艺本身就是组成照片的一部分。职业摄影师会主动选择用后期工艺打破视觉惯性，不避讳让照片变成纯粹人造的工艺品**，对他们而言，什么都没有“好看”重要，这也是他们与摄影爱好者的一大不同。而理解这类照片，往往就需要从摄影师的创作过程本身入手，明白工艺到底在作品里起到了什么样的作用。你可以再体会体会我们上节课提到的一句话，什么叫作“**画面就是事件本身**”。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/d5/42/d527c9a0c5aa0450f417d8cf4676f542.jpg" alt="" title="这四张照片是我使用锡版照相法拍摄的人物肖像。[br]锡版摄影也是湿版摄影的一种，药水需由摄影师自行配置。[br]它的制作过程复杂，一次只能拍摄一张，[br]最终成片都是曝光在金属版上无法被批量复制的实体照片。">
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许多职业摄影师并不纠结于前期拍到了什么，对他们来说，来自现实的照片只是素材，如何利用后期恰当地处理运用这些素材，使它们呈现新的含义和新的视觉效果，要远比这些素材在前期拍得好不好更加重要——乍一听起来这很像平面设计的思维，没错，这就是摄影术发展到今天，人们打破“摄影只能基于现实”这一思维定式的方式。
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除了我们提到过的这些技法，摄影工艺还有湿版、蓝晒、转印、铂金印相、电子负片、halo-chrome 等等，对于这些技法的运用也使得摄影能够更加脱离于现实。当然，这么做并不就一定代表着高级，做不好反而有投机取巧的嫌疑。过程再复杂，运用到的技巧再花哨，不好看不好玩，观众体会不到也还是白扯。摄影毕竟是要用眼睛看的，再复杂的制作过程，最终的结果还是要回归到“好看”这件事上。
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类似把照片当素材，大量借助后期工艺的摄影师不胜枚举，像是山本昌男、深濑昌久、托马斯·苏文，甚至包括森山大道在内的一众日本街头摄影师，都是借助了后期处理与暗房工艺才能创作出他们的那些名作。贴几张例图，我就不再多说了。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/d3/92/d362d0e5d88f018672e5e9f88ea76392.jpg" alt="" title="山本昌男">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/c7/13/c7244cfa577358f37ff71339a28f8813.jpg" alt="" title="深濑昌久[br]《鸦》的许多照片并不是一开始就拍到的，而是后期从原片里裁剪放大得到的">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/29/c3/2995b376f835846247b64377742ee5c3.jpg" alt="" title="托马斯·苏文，《线》[br]网站：http://www.beijingsilvermine.com/[br]苏文本人并不拍照片，而是从旧货市场大量收集废弃底片，将其修复、编辑，集结制作成工艺品画册。
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虽然是一本画册，但照片本身的作用被淡化。照片与画册本身的设计一起，共同被用作传达理念的工具。">
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讲到这儿，你应该也明白了为什么我们总说，**摄影并不单纯局限于一张照片本身**。照片只是一座桥梁，摄影师想利用照片传达的观念，我们通过照片感受到的情绪，照片的审美属性、社会价值，都是我们在回答一张照片“为什么好”时应该考量的因素。
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回到开篇的问题，我们为什么说贝歇夫妇好？因为他们的照片完整记录了二战后德国的工业建筑特征，那些照片本身所具有的文献价值，给后世理解德国工业发展留下了丰富的研究材料。我们为什么说杉本博司好？因为他透过照片，对“时间”和“空间”这两个概念进行了探讨，我们能从他的海景中感受到平静，从废弃的剧院里体验到永恒。他通过拍摄自然历史博物馆里的远古动物模型，带我们进行了一次时光穿梭，让我们看见了陆地上还没有人时的景观。我们为什么说荒木经惟好？因为他有勇气将自己的私人生活完整暴露在众目睽睽之下，有勇气用照片来挑战当时社会的诸多禁忌。你可以想想看，如果是你，生活在上世纪七十年代，敢不敢把自己跟老婆的私房照片放到市面上给大家品头论足。荒木的名作《感伤之旅》，不仅仅是一场蜜月旅行的完整记录，更是一份私人日记，其中包含更多的是在他老婆阳子去世后，用照片展开的对生死的探讨。
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/24/1a/2426816c36f79f4fca846dd2e9ba0e1a.png" alt="" title="贝歇夫妇，《水塔》系列 ">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/b3/c5/b3d856b13ae81a709723a61f2c4b10c5.jpg" alt="" title="杉本博司，《西洋镜》系列">
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<img src="https://static001.geekbang.org/resource/image/ea/54/eab8928b493b2fbf4cad7c2876cdb254.jpg" alt="" title="荒木经惟，《感伤之旅》 ">
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摄影是一门包罗万象的学科。什么可以做，什么不能做，什么可以拍，什么不能拍，并没有任何限制。每当我们苦恼于不知道该拍什么的时候，都应该问问自己，是不是我们先入为主的偏见，限制了我们的视野跟想象力。摄影在两百多年的发展历程中，想到了借助各种工艺来达到让自己区别于绘画，脱离于现实的目的。初学者可能会认为这偏离了摄影的本质，但我想说的是，恰恰是因为对各种工艺的运用，才拓宽了摄影的可能。我们之所以会固执地认为没后期的照片要比后期过的高级，抓拍就比摆拍难度更高，是不是因为看过的照片太少，对摄影的认识还依然停留在“拍到”“记录”“还原生活”这一层面呢？
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职业摄影师会运用到那些工艺，将拍摄过程复杂化，很大原因是职业性质决定了他们必须要和别人不一样。也只有不一样，人为拔高拍摄门槛，才能让自己在激烈的竞争里脱颖而出。我们不是他们，日常生活里一般也不会和其他人“斗片”，暗中较劲，但我们为什么依然会执着于拍到一张好照片，依然想要和别人不一样？这又回到了往期课程里问过无数次的那个问题：你到底是因为什么而拍照。
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摄影由客观观察转向主观呈现是必然发生的事情。拍摄时间越长，越会对外界刺激脱敏，如果这时不转向拍摄自己的内心世界，用照片表达倾诉自己的内心感受，你必然会失去拍摄的动力。与大多数人的认知相反，摄影其实是个内观的过程。在利用复杂形式吸引到足够多的眼球和赞扬后，你的摄影之旅才刚刚开始。我这几年的一个感受是，一开始我也会被门槛高、形式感强、拍摄过程复杂的作品所吸引，而随着学习的不断深入，曾经许多我认为“这有什么好”的照片竟然变成了如今的心头好；曾经我理解不了，认为“是个人都能拍出来”的照片，恰恰成了现在我百看不厌的作品。导致这个变化的原因有很多，但最重要的是随着自己拍得、看得越来越多，我的差别心正在逐渐消失。
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照片是一扇门，一张照片背后承载的是摄影师的内心世界，我们能通过这张照片，看见他的世界的样子。一个人过着什么样的生活就会拍出什么样的照片，这也是为什么我会被张内咸、宋朝的照片所吸引。他们照片的好，不是因为使用的技巧有多华丽，拍摄门槛有多高，而是因为那些照片就来自于他们自己的生活，来自于他们这个人本身。
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张内咸是一名体育老师，他的日常就是和孩子们打交道。只有他才能跟孩子们玩儿到一起，成为孩子里的一员，看见那些别人看不见的天真笑脸，而他的这个视角我永远学不会。
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摄影师宋朝本身就是矿工，作为一名矿民的生活经历，给了他看待留守老人和矿工同事们不一样的角度。他照片里的矿工并不是黑色、痛苦、单调的。相反，因为他深刻理解矿工的生活，明白真实情况并非如此，所以他选择呈现了矿工们最“正常”的一面，不去放大苦难。我们能从他的照片里感受到乐观幽默，体会到每个人的个性，看得见普通人对美好生活的向往。
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类似这样的照片，不是靠单纯的学术思辨和专业技能培训就可以学会的，想拍到它们，你首先得成为这样的人，将视角放回到平凡人的普通生活。
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看照片有的时候就跟看小说一样，是体验另一个世界，感受另一种人生的方式。
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最后，我想说一个问题。
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我们以前说过，审美是主观的，但美是有客观标准的。这句话并没错，但随着个人经历的丰富，我也开始问自己一个问题：当我建立起了自己对于“美”的标准后，我是不是该用同样的标准来衡量其他人？
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很多人总喜欢问“能评价 XX 摄影师的摄影作品吗”这样的问题，其实困惑无外乎就是为什么他拍出那样的作品就可以成名，而那些成名的作品究竟又好在哪儿。会问这类问题就意味着提问的人其实并不喜欢这些作品，但总想尝试去理解它，觉得人家出名肯定是有道理的，说白了还是被名气和权威所裹挟，怀疑是不是自己的理解力不够，所以才看不懂这些照片。
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作品的名气只取决于它被谈论的次数。人文艺术与自然科学最大的区别就在于，所谓的“价值”，是人赋予的，跟它本身的好坏无关。既然如此，那为什么别人赋予的价值就要比我的个人感受更有价值，更重要？
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蒙娜丽莎只是张证件照，鸡缸杯就是个黄酒杯，甭管它们被谁用、卖多贵、如何被无数人大书特书，吹得神乎其神，于我而言，它们都没有我爸妈二十几年前结婚生我时的照片更宝贵。我们要学会区分作为谈资的“艺术”和自己真心喜欢的“艺术”。艺术只可能是私人感受而无法与任何人共享，这也是我为什么总说放在博物馆里的艺术都不是艺术，因为真正的艺术你看不见。所以，对于那些看不懂的照片，我们完全可以忽略，没必要困惑。**照片是用来感受而不是用来研究的**，尝试去跟任何人争论一张照片的好坏都是没有意义的，你说服不了别人喜欢上一个他感受不到的东西。
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应该说，“美”这个词本身就具有阶级属性。对它的认知，取决于我们的生活环境、教育背景、消费能力、收入水平，取决于我们每天暴露在什么样的信息环境里，周围都是些什么样的人。设计师的美肯定跟工程师的美不一样，与其说“美”有客观标准，不如说“美”是一个话语体系。
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社会是由一个个圈子组成的，每个圈子都有自己的话语体系。艺术圈有艺术圈的说法，新闻圈有新闻圈的模式，新锐圈有新锐圈的套路，拍商拍的也有拍商拍的标准。分歧产生的原因往往是对同一个概念的定义不同，出发点不一样，自然谁也都说服不了谁。这就好比即使我说了这么多，你可能也依然不觉得我在这节课里给出来的例图有多好。但这根本不重要，喜欢的都看不过来呢，何必逼着自己去理解不感兴趣的东西。
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我们为什么要关注其他人眼里“客观的美”？为什么又非得被别人的标准牵着鼻子走？如果一个东西能让你自得其乐，你又何苦纠结于它符不符合其他人眼里的“客观标准”。连价值都是人赋予的，那什么美不美、艺不艺术的，难道不是一个大骗局么？这就像总有人说要“跳出盒子思考问题（think outside the box）”，但其实他们不知道的是，他们只是跳到了一个更大的盒子里而已。
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好不好不重要，真心喜欢才重要。
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这节课就结束在这里吧，我们有缘再见。
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